Nicola Cruz — Siku

Nicola Cruz
Siku
ZZK Records, 2019

Дабы немного развеять мрак последних постов и грязную серость ранней весны, предлагаем отправится в аудио-трип в солнечный Эквадор, где без преувеличения зажигательные ритмы создает Никола Круз — известный на родине и далеко за ее пределами диджей, коллекционер традиционной музыки и путешественник. Собирая по крупицам все, что можно узнать о традиционной музыке своей страны, Никола органично, что называется с любовью, вплетает ее в мелодии и ритмы современной эстрады — либо наоборот, но не суть, главное что получается пусть и довольно модная «ритуал-дискотека», но все же остается пропитанной духом туземного шаманизма, теплом экваториального солнца и экстазом танцев без устали. Если не можете согреться этой весной — просто танцуйте, пока кровь не вспомнит каково это быть жгучей и текучей!

listen ~ support

SONM — embody

SONM
embody
Перламутровый Сугроб, 2016

Как известно, свет Луны достигает дна озера, не задевая при этом воды. Таким же в точности образом и музыка может проходить сквозь сознание слушателя, нисколько не вступая с ним во взаимодействие. Кажется, в наши дни большая часть населения планеты именно так музыку и воспринимает — очередной поток шума, выливающийся из динамиков радио и телевизоров, бессмысленное наполнение пространства ритмичным стуком. Когда же речь заходит о том, что музыку нужно действительно слушать, вникать ее драматургии и композиционному гению, сразу же всплывает слово "классика" (что бы это ни значило) или какие-то особо душевные песни в исполнении (якобы) осужденных по уголовному кодексу персонажей. Что ж, ничего удивительного в этом нет и жаловаться в обществе потребления в общем-то не принято — поэтому музыка, действительно так или иначе взаимодействующая с сознанием контингента, попавшего по какой-либо загадочной причине под ее воздействие, остается для масс чем-то предельно маргинальным. Оправданием ее существованию служит либо юношеский максимализм, либо попросту наркотики. И это, на самом деле, хорошо и правильно, и вы, возможно, поймете почему я так пишу, послушав этот альбом как следует — а именно в полной темноте, в одиночестве, не отвлекаясь ни на что, кроме образов, нарисованных этими звуками на обратной стороне ваших век.

То, что обычно называется "лунарной музыкой" как правило несет в себе отчетливые намеки на творчество Coil и пост-индастриал в целом, и дебютная кассета петербургского дуэта SONM этого не избежала. Но вместо очевидных цитирований и громкого пафоса, музыка на альбоме подкупает минималистичностью, простотой и каким-то безмолвно понимаемый ощущением — "даааа, это оно...". То самое чувство, когда мурашки на спине превращаются в предутренную росу и медленно всплывают вверх, к хитро подмигивающим звездам-иголочкам, образующим неслучайный узор на бездонно черном полотне неба. Музыка оказывает не только психологическое, но и отчетливо телесное воздействие, правда, откровенно другого уровня, нежели любой танцевальный жанр. Танцуют тут разве что синапсы, передавая по цепочке электрический заряд необъяснимой эйфории. Может быть, это звучит нескольно банально, но когда подобная алхимия происходит с вашим телом, места для сомнений не остается. Интерпретации данного опыта — уже дело десятое, а вот само его переживание действительно стоит многократного проигрывания этого альбома по кругу. Или по спирали — выбирайте сами.

listen ~ buy
download

 

Interview with Miyuki

Андроид по имени Miyuki – именно так представляется создатель этой музыки, хотя порой на просторах сети её можно встретить под именем Лера Бауэр. Каждый из альбомов проекта представляет собой небольшой фрагмент из жизни Миюки, и каждый из них наполнен многослойным цитированием произведений современной кибер-культуры, полупрозрачными намеками и тщательно детализирован в музыкальном плане. Футуристичная, холодно-цифровая, но неизменно гипнотизирующая своими виртуальными ландшафтами музыка Miyuki – это всегда уникальный опыт восприятия на самых разных уровнях. Два месяца назад проект вернулся к жизни после долгого перерыва с новым мини-альбомом, и по этому поводу мы организовали небольшую беседу с Лерой – об истории и жизни проекта, о перипетиях творческого процесса и, конечно же, о технологической сингулярности.

PiedPaper: Привет! Расскажи, с чего все началось, как возникла задумка проекта?

Начиналось всё в шутку в 2012 году. Подумалось: могу ли я писать электронную музыку? Казалось, что нет. Оказалось, что вполне. Задумки на тот момент никакой не было, были только спонтанно выбранное имя и целенаправленно выбранный жанр. Имя мне нравится и до сих пор, а о выбранной стилистике потом пришлось пожалеть: ванильный гэрридж помог привлечь людей, но потом мне это вышло боком. В какой-то момент музыка начала становиться всё обскурнее и уходить в какой-то андеграуд, простигосподи, а люди к этому были не готовы. Те, которые пришли на ванильный гэрридж. Поэтому популярность очень быстро сошла на нет до узкого круга уточненных почитателей.

PiedPaper: На протяжении альбомов проекта неоднократно встречаются отсылки к знаменитым аниме-сериалам, какие из них ты можешь назвать наиболее повлиявшими на эволюцию Miyuki?

Аниме было очень важной частью моей жизни на протяжении учёбы в университете. Это было основной частью того, что меня на тот момент вдохновляло. Отсюда и отсылки к любимым вещам. Пожалуй, Эрго Прокси и Eve no Jikan больше всего повлияли если не на звук, то на отсылки в названиях треков точно. Моя старая ипишка "Android's Dream" — это как моё видение саундтрека к Eve no Jikan. До сих пор считаю, что это одно из лучших, что выходило из под пера Миюки.

Ну а вообще все отсылки здесь больше ради самих отсылок, как дань уважения. У меня всегда была самодостаточная и хорошо прописанная история Миюки как персонажа от начала и до конца, которая и сейчас ведёт меня. Часть этой истории выкладывалась в постах в паблике, но их уже нет, поэтому кто успел, тот прочитал. А сейчас идет новая глава.

PiedPaper: Каким, по твоему мнению, будет мир через 100-200 лет? Нас ждет эпоха киберпанка и тотальной виртуальности или человечество вернется к природе и "органике". Сейчас есть очень много движений в обоих направлениях.

Мне кажется, что через 100-200 лет мир не особо-то и изменится. Будет всё то же самое, только проблема перенаселения будет острее. Потребление будет править миром, только если человечество внезапно не одумается и не устремит свой взор к звёздам, к чему-то более возвышенному, чем шестой айфон. Гораздо интереснее в этом плане мечтать о технологической сингулярности, которая пока кажется лишь мечтой. Процитирую Уильяма Гибсона, пожалуй:

«Technology will eventually take us to the point where something will change so much that beyond that point we won't be able to recognize any of it at all; and whatever is left of us, of our species beyond that point, looking back won't be able to recognize us as beings of the same species».

Очень глубокая мысль, на самом деле; из неё родился альбом Signs of Future, к слову.

PiedPaper: Что, на твой взгляд, преобладает в музыке Miyuki - "визуальность", сюжет или эмоции и абстрактные ощущения?

Всё вышеперечисленное, пожалуй. Главным критерием во всём, что я делаю, я считаю скромность. Чем скромнее я выгляжу, как артист, тем лучше. Я не люблю громкие заявления, график релизов, каты треков, скриншоты того, как меня лайкнул какой-то известный продюсер, совместные треки, подборки треков с картинками и текстом «как настроение?», посты о том, что «Вас уже 5 тысяч. Люблю всех»; это всё тлен и чепуха. Я просто пишу музыку и выкладываю её бесплатно, без лишних слов.

PiedPaper: По мере звучания каждого и альбомов можно встретить множество разных жанров, но в целом, мне кажется, твоя музыка имеет техно-основу. Каких исполнителей можно назвать решающими в формировании стиля Miyuki?

Ты знаешь, я техно вообще не очень люблю. Мне в музыке нравится упорядоченная хаотичность, репетитивность атмосферных фрагментов. Стоп, это техно, да? Сложно описать, что конкретно влияет на мои рецепторы в мозгу, которые заставляют полюбить тот или иной трек. Пожалуй, меня привлекают бездушные, холодные, машинные пейзажи; музыка, лишенная человеческих эмоций, но при этом наполненная мириадами тончайших материй. Наверное, это такая приятная тоска и меланхолия по технологическому будущему. Я в разное время слушаю разную музыку, поэтому то, что повлияло на меня в процессе формирования Миюки как персонажа, уже совсем не актуально.

PiedPaper: Можешь описать свои ощущения во время создания музыки?

У меня сложные отношения со своей музыкой; она меня тяготит, но я не могу не писать её. С каждым релизом Миюки становится всё сложнее обуздать, потому что непонятно, куда меня занесёт в следующий раз. В последнее время музыка меня вообще разочаровывает капитально. Музыки стало очень много, каждый второй — музыкант. Слушателю при этом не составит труда найти замену потерявшему активность музыканту. Мы рождаемся и умираем в пабликах с треками и картинкой, где на нас никто не обратит внимания. Кажется, музыка как искусство вообще потеряла актуальность. Порой меня бесит, что я музыкант, и бесит, что я ловлю себя на этой мысли. Все копошатся в своих пабликах, играют лайвы, думают, что они очень важны. Отчасти и я занимаюсь тем же, только понимаю всю глупость этой суматошной возни.

PiedPaper: Как думаешь, можно ли приравнять существование Интернета и вообще виртуального мира к тому, что раньше называлось магией? Люди общаются на расстоянии, создают вымышленных персонажей в неком невидимом мире, можно задать любой вопрос и мгновенно получить какой-то ответ...

Нет, не думаю. Технологический прогресс существовал всегда, и когда-то и мануфактурное производство казалось магией. Я верю, что прогресс будет развиваться.

PiedPaper: Современный философ Эрик Дэвис как-то сказал, что "технологии расширяют наши творческие силы за счет ампутирования наших естественных способностей" - как думаешь, создание музыки исключительно цифровыми средствами это упрощение или усложнение? Куда это может привести музыку в целом, как явление?

Создание музыки только цифровыми средствами — это всего лишь реалии нашей жизни. Когда-то хирургические операции делали лишь скальпелем, а теперь можно и лазером; то же самое произошло и с написанием музыки. С этим просто надо свыкнуться, если ещё не. А привело это к росту количества тех, кто пишет музыку.

PiedPaper: Если бы существовал способ моментально записывать музыку "из головы", тебе было бы интересно им воспользоваться? Или процесс создания важнее?

Да, частенько об этом фантазирую. Бывает, в голове играет какая-то структура, атмосфера, но пока дойдешь до дома и обдумаешь, как же это можно воплотить, идея уже пропадёт. Было бы интересно писать так целые треки.

PiedPaper: Возвращаясь к более земным вопросам, - какие планы на будущие релизы? Стоит ли ждать воплощение каких-то альбомов на физических носителях - диски, винил, кассеты? Есть ли вообще интерес к изданиям в таком виде?

Интереса к носителям у меня нет, к лейблам тоже. Вся моя музыка всегда была цифровой и бесплатной, и такой останется всегда. Планов на ближайшие релизы у меня пока нет, все возникает спонтанно. Пока тяжело контролировать и инициировать творческий процесс, поэтому я человек в этом плане подневольный. Могу прождать и полгода. Но все, что пишется, всегда связано с общей канвой и сюжетом Миюки как персонажа.

PiedPaper: Ну и напоследок - твои пожелания слушателям, может быть что-то хотелось добавить, что угодно...

Просто хочется сказать спасибо тем, кто всё ещё следит за Миюки и кому нравится то, что сейчас Миюки делает. Я знаю, что вы есть. Вас мало, но вы лучшие.

listen / download
SoundCloud
vk.com
Facebook

Miyuki – Signs Of Future (double review)

Miyuki
Signs Of Future EP
Signs Of Future: Aftersound
Self-released, 2014

«Куда бы ты ни пошел… Все соединены.» ~ serial experiments lain

Предлагаю несколько оживить атмосферу последних постов чуть более ритмичной, но не менее атмосферной музыкой. К сожалению, проект Miyuki на данный момент, по всей видимости, прекратил существование, так и оставив поклонников с неразгаданными тайнами. Автор проекта, некто Лера Бауэр из Новосибирска (судя по всему - вымышленный персонаж), неоднократно намекала, что за каждым из альбомов и треков кроется некоторая история, сюжет, но больше на эту тему не особо распространялась. В принципе, об этом и так можно догадаться из названий композиций, часто относящихся к каким-то аспектам азиатской культуры, сюжетов аниме-мультфильмов, научно-фантастических книг, концепций футуризма и эстетики киберпанка. Последний термин в целом и определяет стилистику проекта - это 100% киберпанк, выраженный грамотно трансформирующимся от трека к треку миксом стилей - от темного техно и глитч-эмбиента, до басс-музыки, "абстрактного" хип-хопа и idm. Но все это не очень существенно по сравнению с целым, которое здесь легко и органично складывается из частей само по себе. Как всякая самоорганизующаяся система, алгоритмы и процессы, царящие в теле этой музыки, выводят целое на уровень чистого восприятия. По мере прослушивания легко вспоминаются образы таких нетленных сюжетов, как Texhnolyze, Serial Experiments Lain, Ghost in the Shell или даже "Bladerunner". Впрочем, экшн-моментов в этой музыке не так много, гораздо больше внимания уделено фоновым шумам и призвукам, тщательно подобранной ритмике и эстетике. Все это складывается в сеть цитирования и гипертрансляции символов, наложенную на чистое музыкальное восприятие. Необязательно быть фанатом киберпанка и знать ключевые произведения жанра, чтобы проникнуться красотой этой музыки - будучи самодостаточной, она может создать новые сюжеты и образы в любой момент звучания, достаточно лишь задействовать свое воображение. Тем не менее, сюжетная и смысловая плотность контекста, в котором музыка создана, может стать землей обетованной для поклонников киберпанковских декораций.

Вторая часть мини-альбома, обозначенная как Aftersound, переходит в более глубокие слои контекста, от прямого цитирования образов переходя к исследованию базовых структур звука - входящие сигналы и их послезвучия образуют муаровые рисунки в духе дальневосточного минимализма. Легкие всплески шума и гулкие пространства, наполненные хвостами реверберации, все это наслаивается в простой манере интуитивного серфинга по уровням реальности. Так хорошо визуализированный в интернете, этот процесс происходит и в реальной жизни: сами того не замечая мы переходим в мышлении и речи от объектов к их символам, от символов - к знакам и обозначениям символа, все дальше и дальше погружаясь в уровни абстракции. Распознавание образа не создает для нас проблем, если образ заранее обозначен контекстом в котором он воспринимается. Так и здесь, типажи и декорации футуристического мира проступают за абстрактными звуковыми полотнами не столько из-за того, что они и правда там есть, сколько на впечатлениях от прослушивания первой части Signs Of Future. Именно эти отголоски и формируют характер образов, которые воображение само создает из аморфного тумана бесконечно реверберирующих пространств, лишь изредка пронзаемых разрядами шумов, цифровых сбоев и "конкретных" звуков и призрачной ритмикой. Солидный постмодернистский текст может родится в попытке продолжить это исследование, но я, пожалуй, избавлю вас от этого, порекомендовав взамен лосслесс-файлы, скачанные с bandcamp-страницы проекта, темноту и хорошие наушники.

sings of future ep
sings of future: aftersound

Helicalin — To James

Helicalin
To James
Minus Silence, 2014

Сразу оговорюсь, что альбомы с хорошо продуманной тематикой всегда впечатляют меня больше, чем "антайтледы". Я не говорю, что у музыки должна быть какая-то история, некая подоплека - это было бы равносильно утверждению, что музыка не является самодостаточной. Но, как вещь в себе, звук всегда потенциально может породить бесконечность образов, и все будет зависеть от условий прослушивания: настроение, жизненный опыт самого слушателя, обстановка, оборудование, даже банально громкость или режим выключателя лампы вкл. / выкл. - все это неизбежно накладывает отпечаток на восприятие. Кто-то идет по пути абстракции и создает дистиллированный постмодернистский продукт - музыку, свободную для любый интерпретаций. Кто-то же рискует ограничить слушателя в полете воображения, привязав его внимание к конкретным образам, идеям и задумкам. Нельзя сказать что в данном случае плохо, а что хорошо, но можно быть твердо уверенным, что если уж автор пошел на то, чтобы сделать свой релиз "концептуальным", как это принято говорить, то у него были на то веские причины. Если человеку нечего сказать, он и не скажет, а даже если и попытается сделать умный вид и навести видимость "концептуальности" на свое творение, попытка вряд ли будет засчитана опытными и чуткими слушателями.

Этот альбом открывается медленно разрастающейся панорамой шумного дроуна, детализация событий внутри которого нарастает с каждой минутой. Технически сделанный весьма грамотно, трек все-таки создает лишь базовое настроение, необходимое для дальнейшего погружения. Гораздо больше, чем звук, привлекает внимание вопрос, вынесенный в заглавие трека: "Что ты наделал, Джеймс?". Невольно начинаешь раздумывать, кому мог бы этот альбом быть посвящен, что же такого мог сделать Джеймс и чем все закончится. Весьма смелый, прямо таки киношный ход. Дальше музыка еще больше расширяется, приобретает шагающий ритм за счет ненавязчивой техно-пульсации, утопленной в волнах приятно зашумленного звука... Но образ некой трагедии, пусть даже и абстрактной, продолжает висеть в пространстве. Мы можем так и не узнать самих событий и обстоятельств, но настроение, ощущения, которые переживает герой повествования передаются очень реалистично. В какой-то момент от всего происходящего начинает кружиться голова и мы словно оказываемся на грани умопомешательства. Это та грань, к краю которой, вероятно, подходят убийцы в последние минуты перед казнью. Та черта, на которой балансирует человек, познавший в жизни нечто большее, чем вялотекущая обыденность. Это безусловно острые, но в то же время сильно ранящие ощущения. Нельзя сказать, что альбом приводит нас к какому-то шизофреническому хоррору, как это любят делать дарк-эмбиент продюсеры. Кульминация наступает в холодных, тихих и отстраненных волнах третьего трека, за время которого общее ощущение диссоциативного безумия (или даже лучше сказать "без-умия") нарастает до той степени, когда опыт слушания перестает быть чисто наблюдательным и становится опытом соучастия. Уже благодаря этому моменту альбом заслуживает наивысшей похвалы.

Приняв смертельную дозу снотворного в последней композиции и окончательно умерев для мира этого альбома мы возвращаемся в свое собственное существование уже несколько другими... В этом заключается великая сила музыки - дать возможность пережить то, чего с вами может никогда не произойти. Это похоже на воспоминание прошлых жизней в регрессивном гипнозе или на странный, долгий и вроде бы логичный сон, в котором ты проживаешь жизнь какого-то совершенно другого человека, даже не помня о том, что где-то спит еще одно твое "я". Может быть, все наши жизни - такие сны? Почему же тогда не переходить из одного в другой, зачем все время оставаться в одной и той же иллюзии? Концептуальность музыки в данном случае явно пошла альбому на пользу. А вот будет ли полезен вам опыт, вынесенный из его прослушивания? Это уже зависит лишь от того, насколько серьезно вы готовы все это воспринять.

listen / download

Yamaoka – Systematic

Yamaoka
Systematic
Chemical Tapes, 2014
(limited edition tape)

Read in English

I think at the moment we can confidently assert that Japan - a country of contrasts. Needless to say, I mean the music, at the expense of the rest I can not judge. Almost all electronic musicians from Japan I know play very aggressive, mind-blowing noise or gentle and ear-pleasant ambient and drone. I think such names as Yui Onodera, Saito Koji, Hakobune and Chihei Hatakeyama have long been known as the standard of the softest, enveloping sound. Yamaoka undoubtedly enters this niche, but only partly, because apart from the ambient soft featherbeds he can also make pleasant techno ripples, and in this field history of the project began back in the mid-90s. On this tape released by one of my favorite cassette labels, these two components were connected in a very organic and unobtrusive way. Beat pulsation creates time coordinate, slicing the sound space into small cells. At the same time, the whole construction seamlessly moves, specifying smooth transitions from one mood to another and forming an indivisible whole.

Ambivalence has always been a subject of controversy among musicians - while some tried to teach listener to focus on variations of single note, others created unpredictable or even chaotic sounds. Of course, in both cases it came to the point of absurdity, but the majority of audience remained faithful to something average. With the development of civilization, level of involvement of ordinary people in the process of expanded perception constantly grows - if 20 years ago we were getting tired of the three TV shows in a day, today's smartphone owner absorbs incredible amount of information. And, most of all, it is simply out of boredom or habit. What to say then about music? Basically, it must comply with the general trend - to be a powerful and eventful. Yet, it is in Japan, country of advanced information technology, we have two kinds of music - one, that in fact has no information, only chaos and deconstruction of any system (noise), while the other is eventless that most of the people perceive it just as some buzz. It turns out that for many people, music becomes a haven where you can take a break from the growing pace of the city, alone with yourself and your feelings. Yamaoka music perfectly illustrates the operation of such personal "cocoon" - at first, nice relaxing beat gradually slows your perception, and the following ambient surrounds you like a wall, turning headphones into some kind of generator of impervious field, in which all surrounding events doesn't affect you directly. And this is not isolationism! Rather, it is position of observer not involved in the process of fussy being - oriental culture is higly permeated with this feeling. Regardless of religious or philosophical preferences, deepening into Yamaoka music and distracting from all outside, each of us becomes a Buddha at least for this album playing time.

Думаю, на данный момент можно с полной уверенностью утверждать, что Япония - страна контрастов. Само собой, я имею в виду музыку, на счет остального судить не берусь. Почти все известные мне электронные музыканты из Японии играют либо чрезвычайно агрессивный, мозговыносящий шум, либо нежнейший и приятнейший для слуха эмбиент и дроун. Думаю, такие имена как Yui Onodera, Saito Koji, Hakobune и Chihei Hatakeyama уже давно известны как эталон мягчайшего, обволакивающего звучания. Проект Yamaoka несомненно входит в эту нишу, но лишь отчасти, ведь кроме мягких перин эмбиента он еще умеет создавать приятные пульсации техно, и на этом поприще история проекта началась еще в середине 90-х. На этой кассете, выпущенной одним из моих любимейших кассетных лейблов, оба компонента соединены весьма органично и ненавязчиво. Пульсация бита создает координату времени, своим отсчетом рассекая пространство звука на небольшие ячейки. В то же время вся конструкция незаметно движется, задавая плавный переход от одного настроения к другому и образуя неделимое целое.

Двойственность восприятия всегда была предметом спора в среде музыки - в то время как одни стремились научить слушателя часами вслушиваться в вариации одной ноты, другие создавали максимально непредсказуемую музыку. В обоих случаях это, само собой, дошло до абсурда, но сама публика по большинству осталась верной чему-то среднему. По мере развития цивилизации, растет уровень вовлечения обычных людей в процесс расширенного восприятия - если еще 20 лет назад мы уставали от трех телешоу в день, то сегодняшний обладатель смартфона поглощает просто невероятное количество информации. Причем, скорее всего это происходит просто от скуки или по привычке. Что же говорить тогда о музыке? По идее, она должна соответствовать общей тенденции - быть мощной и насыщенной событиями. Тем не менее, именно в Японии, стране передовых информационных технологий, мы имеем два вида музыки - один не несет по сути никакой информации, только лишь хаос, деконструкцию любой системы (нойз), в то время как другой настолько беден событиями, что большинству обывателей кажется просто гудением (дроун и эмбиент). Получается, что для многих людей музыка становится убежищем, в котором можно отдохнуть от нарастающего темпа городов, уединиться с собой и своими чувствами. Творчество Yamaoka прекрасно иллюстрирует функционирование такого личного "кокона" - приятно расслабляющий бит вначале понемногу замедляет разогнанное городом восприятие, а следующий за ним эмбиент словно окружает слушателя стеной, превращая наушники в генератор непроницаемого поля, в котором все события уже не кажутся непосредственно на вас воздействующими. И это отнюдь не изоляционизм! Скорее, это позиция стороннего наблюдателя, не вовлекающегося в процесс суетливого бытия - восточная культура этим пронизана от начала до конца. В независимости от религиозных или философских предпочтений, пропитываясь эмбиентом Yamaoka и отвлекаясь от всего внешнего, каждый из нас становится Буддой хотя бы на то время, пока играет этот альбом.

label page
listen / buy

Stag Hare – Angel Tech

Stag Hare
Angel Tech
Space Slave, 2013

С самого первого знакомства со Stag Hare после выхода его альбома Black Medicine Music этот проект стал для меня эталоном яркого, жизнерадостного дроуна. Музыка, на которую всегда можно положиться. Какими бы не были погодные условия и настроение, Stag Hare всегда приносит с собой тепло, свет и что-то магическое, спиральными потоками вибраций закручивающееся вокруг головы. Впоследствии у меня вошло в привычку называть семейство групп и проектов с лейбла Inner Islands "хиппи-дроуном", ведь это по сути и есть та музыка, которую создавали первые дети цветов, только пропущенная сквозь лесные чащи и морские глубины. Только сейчас в этой музыке не осталось какого-либо выспренного протеста против системы, эмоционального надрыва, только бесконечные мантроподобные медитации, которые создают такое ощущение, будто ты - дерево, которое медленно покачивается на ветру в лучах тропического солнца. А что, собственно, еще требуется?
Учитывая все вышесказанное, эта кассета поначалу удивила произошедшими с музыкой Гаррика переменами - сначала сухие, синтезаторные сэмплы ударных, затем даб-техно трек... Словно диковинное животное по имени stag hare поймали, приручили, и теперь оно живет не диких чащах, что окружают Солт-Лейк-Сити, а в уютном заповеднике. Впрочем, вряд ли это произошло насильно. Скорее всего, тут была замешана любовь - ведь что кроме нее может приручить дикое создание, не прибегая к принуждению? Как бы там ни было, первое удивление достаточно быстро сглаживается по мере того, как музыка обрастает все новыми слоями мхов и лишайников, распуская свежие почки на ветках и слетая лепестками на одетую в зеленые травы землю. Все синтетическое и городское утопает в разрастающихся композициях, в которых медленно меняющиеся мантры и ритмы убаюкивают ум, отпуская воображение на простор нарисованных музыкой пейзажей. Словно пес, сорвавшийся с поводка, фантазия начинает резвиться в этом мире, где голоса детей неотличимы от голосов ангелов, а в воздухе то и дело проступает волшебный перезвон колокольчиков. К концу альбома все становится на свои места и уже не возникает никаких сомнений - перед нами все тот же красочный, искрящийся переливчатыми звуками и образами мир, созданный Stag Hare.

Музыка, которая согревает тело и душу даже посреди суровой русской зимы.

listen / buy
listen at vk

Read in English: