Barn Owl - Lost in the Glare

Barn Owl
Lost in the Glare

Thrill Jockey, 2011

01. Pale Star
02. Turiya
03. Devotion I
04. The Darkest Night Since 1683
05. Temple of the Winds
06. Midnight Tide
07. Light Echoes
08. Devotion II

Два товарища из Сан-Франциско, прикрывшись названием симпатичной птицы из отряда совообразных, пишут густой гитарный дроун, и очень даже преуспели в этом деле за последние пару лет. Их работы издавались на Not Not Fun и Root Strata, а в прошлом году вышел шикарный релиз Ancestral Star, на Thrill Jockey, после чего пришла к этим бородатым парням заслуженная слава.

Своим существованием они как будто заставили встрепенуться не только слушателей, но и критиков, особенно в Интернете. При этом нельзя сказать, что это очередной исполнитель, за которого «взялись всерьез» и выжимают все соки, просто потому, что это очередной бренд. Может быть, с внешней стороны выглядит все именно так. Сначала появляются два товарища и играют что-то очень похожее на поздние работы Earth или на Harvestman, а потом то ли к парням приходит осознание своего стиля, то ли просто уверенность, и совсем незаметно эта музыка теряет всю связь с рок-культурой. Barn Owl звучат как ритуал. Они носят длинные волосы и бороды, играют на гитарах, но их музыка намного ближе к минимализму Ла Монте Янга (La Monte Young), чем к южным балладам Earth. При этом она лишена ярко выраженной восточной окраски, так характерной для эпохи минимализма. Вектор внимания направлен в сторону фолк-музыки и «мягкой» психоделии и преобладают созерцательные настроения.

Опыт сотен гитаристов, играющих эмбиент, не раз показал, что этот инструмент практически универсален. Теплый гитарный звук, утопающий в море реверберации — основной ингредиент Barn Owl. Они мало используют вокал или перкуссии, зато много других струнных инструментов кроме гитары - от самых простых. до таких уникальных, как Long String Instrument Элен Фуллман (Ellen Fullman), с которой у них вышел альбом The Headlands (Элен, между прочим, представитель академического минимализма 80-х наряду с Паулиной Оливерос, Шарльманем Палестином и Филом Ниблоком). Атмосфера ритуала и загадочного туманного пространства роднит дуэт с шаманским эмбиентом и психофолком, а дроуновая основа, позволяет котировать этот коллектив множеству совершенно разных людей — от суровых любителей дум-металла в духе Sunn O))) до изнеженных «детей цветов» нашего времени, которые обожают добавлять тэг drone ко всему, что хоть немного отдает измененными состояниями сознания. Таким образом, наши герои оказываются на вершине горы, прочно стоящей на академическом минимализме и устремленной в психоделические облака нашего высокотехнологичного будущего.

Lost in the Glare звучит очень уверенно. Это не работа начинающих и не импровизация. Несмотря на фирменную туманную размытость, эта музыка продумана и взвешена. Каждый грамм этой субстанции — часть общего рецепта. Это может быть щепотка сушеных трав, брошенная в жаровню посреди ритуального круга, может быть горсть земли из-под векового дуба, а может быть просто глоток высокогорного тумана ранним утром. В любом случае, каждый элемент поставлен на свое место, рецепт проверен и освящен. Каждое прослушивание — ритуал. Сложно описать возникающие при этом эмоции, плотная пелена из дроунов и струнных переливов покрыта размытыми рисунками, на который часто бывает сложно понять, чей силуэт ты видишь — манящей пением нимфы или воющей баньши...

Первый кульминационный момент альбома наступает на треке The Darkest Night Since 1683. Скорее всего, имеется в виду кровопролитная Венская Битва, когда христиане нанесли сокрушающий удар по войску Османской империи после того, как те два месяца осаждали Вену. Своими низкими нагнетающими риффами этот трек напомнил другую композицию, также посвященную военной теме — альбом Verdun группы Black Boned Angel. Хотя Barn Owl, конечно же, далеки от опустошающего сознание дроун-дума новозелендцев, альбом быстро возвращается к привычному мелодизму — смычковые пассажи, переборы и густой туман гитарного эха. Музыка проникает всюду, заполняет собой все пустоты, словно влажный мох на земле и деревьях. Тревога сменяется сонливостью и усталой размеренностью движений. Ритуал продолжается, но главные опасности уже позади.

Демоны побеждены, тьма рассеивается, близится утро, и музыка становится светлее, прозрачнее. Исчезающий туман открывает перед слушателем манящий простор холмистого пейзажа, казавшиеся черными тучи превращаются в похожие на перья совы облака, постепенно подсвечивающиеся красным. Вторая и последняя кульминация провозглашает восход Солнца. Магия ночи рассеивается, ритуал завершен. Впереди следующий день, каким он будет — уже совсем другая история.

download at mediafire

The Fun Years - God Was Like, No

The Fun Years
God Was Like, No
Barge Recordings, 2011

The Fun Years – дуэт, исполняющий шумный, подвижный гитарный эмбиент с помощью, собственно, гитары и компьютера. Несколько лет никому неизвестные, они давали домашние концерты и писали понемногу в домашней студии свои треки. В 2008 году они выпустили полноформатник Baby, It's Cold Inside, который стал альбомом года на Boomkat, снискал множество восторженных отзывов, и действительно был глотком свежего воздуха в засилье однообразных лоу-фай дрон гуделок, коими нынче пестрит Интернет. Заставивший себя ждать следующий релиз просто обязан был стать новым откровением. В промежутке между альбомами группа выступала на различных фестивалях электронной музыки, играя новые, очень хорошие треки, которые логично было ожидать на новом релизе. Но в ноябре этого года выходит пластинка God Was Like, No с абсолютно новым треклистом и традиционно минималистичным оформлением.

Алгоритм всех их треков, в общем, таков: гитара играет зацикленные мелодии или короткие последовательности нот, ее звук пропускается через несколько примочек и педаль лупа. Второй участник манипулирует звуком гитары с помощью ноутбука, добавляя шума, винилового треска и хруста. На Baby, It's Cold Inside этот рецепт дал вкуснейший результат! Новый релиз оказался изотропным продолжением, рецептура нисколько не изменилась, скорее даже упростилась.

Встречает слушателя бодрый гитарный перебор, быстро тонущий в облаках шума, который у The Fun Years никогда не звучит без треска и щелчков. То ли это стилизация под винтажный саунд, то ли особенность их аппаратуры – не суть важно. Дело в том, что эти щелчки, весьма уместно и в меру используемые на упоминавшемся хитовом альбоме, в данном случае звучат практически непрерывно, быстро надоедая и отвлекая от попыток вслушаться в звуковое полотно. Это первый камень преткновения.

Дальше все идет чрезвычайно предсказуемо. Как ни ожидал я услышать какой-то необычный поворот сюжета или хотя бы альтернативный способ звукоизвлечения — все тщетно. Играет гитара, ее звук все время проходит через фильтр высоких частот, который постоянно плавно открывается-закрывается, давая ход шуму и треску. Мелодии сыграны красивые, намного более разнообразные, чем на предыдущем альбоме. К середине альбома понимаешь, что это весьма хороший и красочный пост-рок, который утонул в море шума и помех, заблудился в фильтрах и почти увял, испарился, как медуза на песке... Ни повторное, ни пятое прослушивание не изменили первого впечатления — перед нами яркий пример попытки сделать «такой же классный альбом». Вся сила разочарования пластинкой продемонстрирована треком Psychic Career — звучит гитарный рифф, вот-вот готовый взорваться мощной пост-роковой кульминацией, сквозь фильтр даже проскакивает обрывок вокала, но все снова тонет в изрядно надоевшем шуме... Единственный действительно хороший трек – Little Vapors, я выделил только после того, как услышал его на радио, отдельно от остальных. Его отличает сэмплированное пианино – снова-таки, реверанс в сторону хитовости трека Auto Show Day Of The Dead, который был самым сильным на Baby, It's Cold Inside.

Дослушивается альбом в режиме «скорее бы», на переслушивание не претендует. Обидно осознавать, что группа, выдавшая прекрасный материал, сможет так безжалостно упаковать все свои идеи в поцарапанную упаковку и поставить на ней штамп самокопирования. Возможно, конечно, это всего лишь взгляд из прошлого, и новый альбом, сам по себе,– весьма хороший образец гибридизации пост-роковой мелодики с нойз-эмбиентными пассажами в духе Тима Хекера (Tim Hecker). Может быть, эта работа — всего лишь переходной период между старым материалом, и чем-то новым, тут уже сложнее сказать, остается лишь банальное «время покажет»... В любом случае имеем талантливый дуэт, из трех полноформатников которого первый невзрачный, второй превосходный, третий — не очень качественная копия самих себя.

mediafire

Seefeel - Seefeel

Seefeel

Seefeel

Warp, 2011

01. O-On One - 1:04
02. Dead Guitars - 6:25
03. Step Up - 1:04
04. Faults - 5:45
05. Gzaug - 2:48
06. Rip-Run - 7:02
07. Making - 5:53
08. Step Down - 0:52
09. Airless - 5:41
10. Aug30 - 5:47
11. Sway - 9:18

www.kievreport.com

В современном перенасыщенном аудио-пространстве у музыканта есть два способа для того, чтобы оставаться на виду. Легкий путь — забрасывать публику альбомами, синглами, ремиксами и видеоклипами. Этой «стратегии» придерживаются практически все, и она себя оправдывает. Только велика вероятность так же быстро надоесть и «исписаться». Второй способ — написать несколько работ, но настолько идеально выверенных и качественных, что эта музыка поселится в душах тысяч покоренных слушателей. Так появляются «культовые» исполнители, записавшие парочку «культовых» альбомов и исчезающие, растворяющиеся в лучах собственной славы. Seefeel никогда не были продаваемой или чрезвычайно востребованной группой, но так любимая публикой культовость прилипла к их имени достаточно быстро.

Работы Seefeel выходили на Warp и на Too Pure, а для большинства коллективов этого более чем достаточно для приобретения легендарного статуса. Но дело в том, что их альбомы действительно отличались, по-настоящему увлекали. Это была романтика полета в лучах заходящего солнца на крыльях теплого ветра. Тепло и воздушность — две главных составляющих музыки Seefeel, обеспечили ностальгическое отношение к их музыке. Будучи однажды прослушанной в соответствующем приподнятом настроении, она может вызвать его снова спустя много лет. Далеко не каждое сочетание бита с эмбиентом настолько эффективно. Это были 90-е: время, когда критики кричали о смерти электронной музыки, пока она мутировала и рождала новые удивительные виды в бесконечном эволюционном танце.

Пресловутая и обожаемая всеми культовость обычно подразумевает исчезновение коллектива из поля зрения поклонников. Когда это условие не соблюдено, группа эту культовость растрачивает, будто питаясь лишь за ее счет. Еще чаще происходит Возвращение. Реюнионы стали таким же простым способом «подзарядиться» за счет запасенной культовости, как, например, ремейки старых блокбастеров или, чего лучше, пересъемка старых
фильмов в 3D...

Часто ли бывает, чтобы ремейк был лучше оригинала? Часто ли реюнион задумывается не ради денег и былой славы? В данном случае так и хочется сказать об исключении, но все же стоит взвесить все аргументы. Новый альбом после 14 лет тишины — возвращение эпичное, торжественное. Это чувствуется в альбоме со второго трека. Seefeel потяжелели, обросли низкими частотами и дисторшном. Тяжелый бит словно расталкивает толпящихся молодых дабстеп-продюсеров, и они разбегаются в ужасе, спотыкаясь своим псевдо-степом, который только-только пророс из останков минимал-техно задохнувшегося в чаде ночных клубов.

Seefeel помнят, как делать эмбиент, помнят настоящий трип-хоп и даб. Их звук современный, сочный и плотный. В нем осталось лишь эхо былой воздушности в виде доносящегося издалека вокала и эмбиентных проигрышей. За счет своей медленной и уверенной поступи, ленивой как прежде, эта музыка сохраняет былую атмосферу, но, благодаря постоянным сбивкам и цифровым искажениям, она звучит словно сквозь помехи, создаваемые сегодняшним днем. Так звучали бы современные ремиксы на Bowery Electric или шугейз-эмбиентные кавера на Portishead.

Ощущения после прослушивания смешанные — музыка очень качественная, красиво и мощно звучащая. Рассматриваемая сама по себе, она заслуживает наивысшей оценки. Но трудно забыть культурный аспект, ведь музыка существует сама по себе лишь в неком ограниченном пространстве. Как явление комплексное, она должна быть рассмотрена в обстоятельствах своего появления. Каковы бы ни были причины, побудившие Seefeel записать этот альбом, они сделали это с тонким расчетом на современность: вооружившись таким популярным нынче дабстепом, обернувшись в IDM и окружив острые углы всегда приятным эмбиентом.

Как бы там ни было, эта музыка существует сама по себе. Гудит, вращается, стучит, танцует. И делает это на высшем уровне.

download at mediafire

Ryoji Ikeda - Ощути себя оптоволоконной линией

Шумовая электроника, особенно экспериментального толка, редко бывает приятной уху неподготовленного слушателя. Начиналось все в 70-х с «конкретной музыки», (которая существует в замороженном виде и поныне), продолжилось в виде массы нойз-дрон-эмбиент-индастриала, и сейчас каждый, кто умеет издавать звуки из компьютера или какого-то оборудования может считаться «композитором». Особенно щедра таким продуктом земля японская, ныне пребывающая в стрессовой ситуации, которая, несомненно, принесет в будущем еще больше агрессивного нойза и всяческого непременно высокочастотного саунд-дизайна.

В массе беснующихся в потоках шума японцев всегда выделялся интеллигентный Ryoji Ikeda (Риодзи Икеда). Его музыка заслуживает пристального внимания, хотя бы потому, что это настоящий современный минимализм — впитавший настрой академического минимализма Стива Райха и развивающий идеи Ксенакиса и Штокгаузена в пенящемся море современной электроники. Музыка Икеды мало подходит для домашнего прослушивания, а обложки его дисков предостерегают от прослушивания в наушниках или на большой громкости. Это звук для наполнения помещений, создание акустической среды,

в которой слушатель никогда не бывает пассивным, каждым своим движением или даже одним присутствием изменяя личную аудио-картину. При этом звук Икеды никогда не существует отдельно от видео — этот мигающий черно-белыми полосками медиа-конгломерат можно назвать его визитной карточкой или, скорее, его вселенной, двумерной на экране, многомерной в звуке.

Его звук создан из чередования примитивных структур — синусоид и шумов. Видео, как правило, не намного разнообразнее. Быстрый поток этих данных имеет очень сложную структуру — стоит лишь посмотреть на спектрограммы треков. Этот поток в буквальном смысле прошивает мозг насквозь, пронизывает нервную систему и иногда совсем не сложно ощутить себя оптоволоконной линией связи, по которой текут гигабайты загадочной информации. Бинауральные эффекты и психоакустические фокусы — мастер Риодзи пользуется всем этим чрезвычайно виртуозно, заставляя звук стать частью обстановки, что по сути является переосмыслением идей Эрика Сати в контексте XXI века, расширяя его функцию от чисто инсталляционной до биологической, создавая некое наполнение медиа внутри мозга слушателя. Логично, что при этом он задействует два основных канала доступа — глаза и уши.

Тем, кто уже поставил на закачку все альбомы, важное замечание — это именно та музыка, которую нельзя слушать в мр3 формате. Часто вы рискуете попросту ничего не услышать, так как большинство аудио-событий происходит за 16 kHz.

Если ранние работы Икеды вполне могут быть отнесены к «чрезвычайно интеллектуальной танцевальной музыке», то поздние вещи — настоящая алхимия современности, преображение слушателя в часть композиции. Классическими альбомами уже уверенно можно назвать Matrix и Dataplex, последние работы развивают те же наработки. Особое внимание стоит уделить альбому Op, на котором музыку Икеды исполняет струнный квартет (!). Его типичный прием — исчезновение звука за предел слышимости, как нижний, так и верхний. Обилие высоких частот может вызывать неприятные ощущения у людей с расстройствами психики, хотя иногда кажется, что здоровый человек не-японец это тоже слушать не может.

Также не стоит забывать о совместном проекте Риодзи с Николаем Карстеном (Alva Noto), где его музыка за счет стараний Николая становится намного более человечной и слушабельной. Недавно вышедший id — второй альбом проекта — идеален для начального ознакомления с подобной музыкой. Здесь типичное высокочастотное насилие уходит на задний план, уступая место плотно сбитым басовый партиям и хрустящим глитчам. Карстен движет огромную махину лейбла raster-noton, уж ему-то не знать, что сделать с музыкой Икеды, чтоб она стала актуальной здесь и сейчас, а не в пятом тысячелетии. Хотя и эта работа не лишена машинной безразличности к слушателю. Если творчество вообще — это интерпретация информации, то эта музыка — информация сама по себе.

kievreport.com/

Submatukana - Hypnosis

Submatukana

Hypnosis

Utorn records, 2011

01. Intro
02. Hypnosis
03. Floating In Hypnospace
04. Wireless
05. Encrypted Dancing
06. Entering the Subconscious
07. Exploring Inner Space
08. Nirvana

www.neformat.com.ua

Днепропетровский дуэт Submatukana, уже несколько лет исследующий просторы электронной музыки, обзавелся новым альбомом с лаконичным названием Hypnosis. Войдя в повседневный обиход, известный каждому феномен гипноза не перестает быть загадкой. Впрочем, такова судьба многих близких нам понятий – как, например, микрокосм. Каждый ощущает некий внутренний мир внутри своей головы. Но кто может похвастаться знанием его географии? Исследователи непознанного направляют свой потенциал на все уровни жизни, поэтому закономерно, что экспериментируя в области электронной музыки, ее создатели оказались увлечены гипнозом — эдаким инструментом для игры на струнах микрокосма.

Альбом начинается так же быстро, как и гипнотический сон. Небольшое интро открывает слушателю поток аморфной и достаточно прозрачной музыки. Возможно, это процесс засыпания, или слова гипнотизера, расплывчатые, как туман, из которого сознание может слепить любую приятную субстанцию, чтобы обернувшись ею, как теплым пледом, уснуть в удобной позе, выпуская на волю подсознание. Блуждая в иррациональных волнах и спорадических всплесках засыпающего сознания (Floating In Hypnospace), гипнотизер находит ритм, обретает доступ к памяти и вступает в фазу активного исследования гипнотизируемого (Wireless, Encrypted Dancing). Здесь эмбиентные пассажи сменяются достаточно четкими, но сложными битами и глитчами, продолжая раскрашивать текстуру музыки и приближая слушателя/гипнотизируемого к важному моменту — входу в подсознание.

Здесь картина меняется. Мы оказываемся в обширном пространстве абстрактного существования. Иррациональность, интуитивность, спонтанность — все это лишь слова для выражения сущностей не подвластных сознанию. Высшие формы мышления, обиталище истинного «Я» - это и есть звенящее высокочастотными потоками и быстрыми глитчами подсознание. Из этих элементарных частиц музыки можно построить целые вселенные, но проблема в отсутствии органов чувств между сознанием и подсознанием. Все, которые у нас имеются, обращены вовне, поэтому мы можем лишь созерцать этот мир, пока он творит себя сам.

Нирвана — состояние покоя. Момент, когда человек узнает настоящего себя. Ищет ли он его во внешнем мире или внутри — не имеет значения. Сознание — лишь граница между двумя мирами, и гипноз — способ ее пересечь. Однозначно, самый кульминационный трек на альбоме (Nirvana) отлично аудиализирует самогипноз, медитацию, созерцание, бесконечное отвлечение, умиротворение, освобождение — все способы приблизиться к нирване. Музыка — еще один из них — самый малоизученный, недооцененный, но не менее действенный при правильном использовании. В этом понимании альбом перестает быть лишь иллюстрацией к процессу гипноза, но может стать им самим.

Подобно тому, как человек выходит из гипноза, не ощутив прошедшего времени, так и альбом Hypnosis слушается цельно, непрерывным потоком. Идеально сбалансированный, выверенный и хорошо продуманный релиз для внимательного слушания и вслушивания.

free dowload at archive.org