Interview with Miyuki

Андроид по имени Miyuki – именно так представляется создатель этой музыки, хотя порой на просторах сети её можно встретить под именем Лера Бауэр. Каждый из альбомов проекта представляет собой небольшой фрагмент из жизни Миюки, и каждый из них наполнен многослойным цитированием произведений современной кибер-культуры, полупрозрачными намеками и тщательно детализирован в музыкальном плане. Футуристичная, холодно-цифровая, но неизменно гипнотизирующая своими виртуальными ландшафтами музыка Miyuki – это всегда уникальный опыт восприятия на самых разных уровнях. Два месяца назад проект вернулся к жизни после долгого перерыва с новым мини-альбомом, и по этому поводу мы организовали небольшую беседу с Лерой – об истории и жизни проекта, о перипетиях творческого процесса и, конечно же, о технологической сингулярности.

PiedPaper: Привет! Расскажи, с чего все началось, как возникла задумка проекта?

Начиналось всё в шутку в 2012 году. Подумалось: могу ли я писать электронную музыку? Казалось, что нет. Оказалось, что вполне. Задумки на тот момент никакой не было, были только спонтанно выбранное имя и целенаправленно выбранный жанр. Имя мне нравится и до сих пор, а о выбранной стилистике потом пришлось пожалеть: ванильный гэрридж помог привлечь людей, но потом мне это вышло боком. В какой-то момент музыка начала становиться всё обскурнее и уходить в какой-то андеграуд, простигосподи, а люди к этому были не готовы. Те, которые пришли на ванильный гэрридж. Поэтому популярность очень быстро сошла на нет до узкого круга уточненных почитателей.

PiedPaper: На протяжении альбомов проекта неоднократно встречаются отсылки к знаменитым аниме-сериалам, какие из них ты можешь назвать наиболее повлиявшими на эволюцию Miyuki?

Аниме было очень важной частью моей жизни на протяжении учёбы в университете. Это было основной частью того, что меня на тот момент вдохновляло. Отсюда и отсылки к любимым вещам. Пожалуй, Эрго Прокси и Eve no Jikan больше всего повлияли если не на звук, то на отсылки в названиях треков точно. Моя старая ипишка "Android's Dream" — это как моё видение саундтрека к Eve no Jikan. До сих пор считаю, что это одно из лучших, что выходило из под пера Миюки.

Ну а вообще все отсылки здесь больше ради самих отсылок, как дань уважения. У меня всегда была самодостаточная и хорошо прописанная история Миюки как персонажа от начала и до конца, которая и сейчас ведёт меня. Часть этой истории выкладывалась в постах в паблике, но их уже нет, поэтому кто успел, тот прочитал. А сейчас идет новая глава.

PiedPaper: Каким, по твоему мнению, будет мир через 100-200 лет? Нас ждет эпоха киберпанка и тотальной виртуальности или человечество вернется к природе и "органике". Сейчас есть очень много движений в обоих направлениях.

Мне кажется, что через 100-200 лет мир не особо-то и изменится. Будет всё то же самое, только проблема перенаселения будет острее. Потребление будет править миром, только если человечество внезапно не одумается и не устремит свой взор к звёздам, к чему-то более возвышенному, чем шестой айфон. Гораздо интереснее в этом плане мечтать о технологической сингулярности, которая пока кажется лишь мечтой. Процитирую Уильяма Гибсона, пожалуй:

«Technology will eventually take us to the point where something will change so much that beyond that point we won't be able to recognize any of it at all; and whatever is left of us, of our species beyond that point, looking back won't be able to recognize us as beings of the same species».

Очень глубокая мысль, на самом деле; из неё родился альбом Signs of Future, к слову.

PiedPaper: Что, на твой взгляд, преобладает в музыке Miyuki - "визуальность", сюжет или эмоции и абстрактные ощущения?

Всё вышеперечисленное, пожалуй. Главным критерием во всём, что я делаю, я считаю скромность. Чем скромнее я выгляжу, как артист, тем лучше. Я не люблю громкие заявления, график релизов, каты треков, скриншоты того, как меня лайкнул какой-то известный продюсер, совместные треки, подборки треков с картинками и текстом «как настроение?», посты о том, что «Вас уже 5 тысяч. Люблю всех»; это всё тлен и чепуха. Я просто пишу музыку и выкладываю её бесплатно, без лишних слов.

PiedPaper: По мере звучания каждого и альбомов можно встретить множество разных жанров, но в целом, мне кажется, твоя музыка имеет техно-основу. Каких исполнителей можно назвать решающими в формировании стиля Miyuki?

Ты знаешь, я техно вообще не очень люблю. Мне в музыке нравится упорядоченная хаотичность, репетитивность атмосферных фрагментов. Стоп, это техно, да? Сложно описать, что конкретно влияет на мои рецепторы в мозгу, которые заставляют полюбить тот или иной трек. Пожалуй, меня привлекают бездушные, холодные, машинные пейзажи; музыка, лишенная человеческих эмоций, но при этом наполненная мириадами тончайших материй. Наверное, это такая приятная тоска и меланхолия по технологическому будущему. Я в разное время слушаю разную музыку, поэтому то, что повлияло на меня в процессе формирования Миюки как персонажа, уже совсем не актуально.

PiedPaper: Можешь описать свои ощущения во время создания музыки?

У меня сложные отношения со своей музыкой; она меня тяготит, но я не могу не писать её. С каждым релизом Миюки становится всё сложнее обуздать, потому что непонятно, куда меня занесёт в следующий раз. В последнее время музыка меня вообще разочаровывает капитально. Музыки стало очень много, каждый второй — музыкант. Слушателю при этом не составит труда найти замену потерявшему активность музыканту. Мы рождаемся и умираем в пабликах с треками и картинкой, где на нас никто не обратит внимания. Кажется, музыка как искусство вообще потеряла актуальность. Порой меня бесит, что я музыкант, и бесит, что я ловлю себя на этой мысли. Все копошатся в своих пабликах, играют лайвы, думают, что они очень важны. Отчасти и я занимаюсь тем же, только понимаю всю глупость этой суматошной возни.

PiedPaper: Как думаешь, можно ли приравнять существование Интернета и вообще виртуального мира к тому, что раньше называлось магией? Люди общаются на расстоянии, создают вымышленных персонажей в неком невидимом мире, можно задать любой вопрос и мгновенно получить какой-то ответ...

Нет, не думаю. Технологический прогресс существовал всегда, и когда-то и мануфактурное производство казалось магией. Я верю, что прогресс будет развиваться.

PiedPaper: Современный философ Эрик Дэвис как-то сказал, что "технологии расширяют наши творческие силы за счет ампутирования наших естественных способностей" - как думаешь, создание музыки исключительно цифровыми средствами это упрощение или усложнение? Куда это может привести музыку в целом, как явление?

Создание музыки только цифровыми средствами — это всего лишь реалии нашей жизни. Когда-то хирургические операции делали лишь скальпелем, а теперь можно и лазером; то же самое произошло и с написанием музыки. С этим просто надо свыкнуться, если ещё не. А привело это к росту количества тех, кто пишет музыку.

PiedPaper: Если бы существовал способ моментально записывать музыку "из головы", тебе было бы интересно им воспользоваться? Или процесс создания важнее?

Да, частенько об этом фантазирую. Бывает, в голове играет какая-то структура, атмосфера, но пока дойдешь до дома и обдумаешь, как же это можно воплотить, идея уже пропадёт. Было бы интересно писать так целые треки.

PiedPaper: Возвращаясь к более земным вопросам, - какие планы на будущие релизы? Стоит ли ждать воплощение каких-то альбомов на физических носителях - диски, винил, кассеты? Есть ли вообще интерес к изданиям в таком виде?

Интереса к носителям у меня нет, к лейблам тоже. Вся моя музыка всегда была цифровой и бесплатной, и такой останется всегда. Планов на ближайшие релизы у меня пока нет, все возникает спонтанно. Пока тяжело контролировать и инициировать творческий процесс, поэтому я человек в этом плане подневольный. Могу прождать и полгода. Но все, что пишется, всегда связано с общей канвой и сюжетом Миюки как персонажа.

PiedPaper: Ну и напоследок - твои пожелания слушателям, может быть что-то хотелось добавить, что угодно...

Просто хочется сказать спасибо тем, кто всё ещё следит за Миюки и кому нравится то, что сейчас Миюки делает. Я знаю, что вы есть. Вас мало, но вы лучшие.

listen / download
SoundCloud
vk.com
Facebook

Miyuki – Signs Of Future (double review)

Miyuki
Signs Of Future EP
Signs Of Future: Aftersound
Self-released, 2014

«Куда бы ты ни пошел… Все соединены.» ~ serial experiments lain

Предлагаю несколько оживить атмосферу последних постов чуть более ритмичной, но не менее атмосферной музыкой. К сожалению, проект Miyuki на данный момент, по всей видимости, прекратил существование, так и оставив поклонников с неразгаданными тайнами. Автор проекта, некто Лера Бауэр из Новосибирска (судя по всему - вымышленный персонаж), неоднократно намекала, что за каждым из альбомов и треков кроется некоторая история, сюжет, но больше на эту тему не особо распространялась. В принципе, об этом и так можно догадаться из названий композиций, часто относящихся к каким-то аспектам азиатской культуры, сюжетов аниме-мультфильмов, научно-фантастических книг, концепций футуризма и эстетики киберпанка. Последний термин в целом и определяет стилистику проекта - это 100% киберпанк, выраженный грамотно трансформирующимся от трека к треку миксом стилей - от темного техно и глитч-эмбиента, до басс-музыки, "абстрактного" хип-хопа и idm. Но все это не очень существенно по сравнению с целым, которое здесь легко и органично складывается из частей само по себе. Как всякая самоорганизующаяся система, алгоритмы и процессы, царящие в теле этой музыки, выводят целое на уровень чистого восприятия. По мере прослушивания легко вспоминаются образы таких нетленных сюжетов, как Texhnolyze, Serial Experiments Lain, Ghost in the Shell или даже "Bladerunner". Впрочем, экшн-моментов в этой музыке не так много, гораздо больше внимания уделено фоновым шумам и призвукам, тщательно подобранной ритмике и эстетике. Все это складывается в сеть цитирования и гипертрансляции символов, наложенную на чистое музыкальное восприятие. Необязательно быть фанатом киберпанка и знать ключевые произведения жанра, чтобы проникнуться красотой этой музыки - будучи самодостаточной, она может создать новые сюжеты и образы в любой момент звучания, достаточно лишь задействовать свое воображение. Тем не менее, сюжетная и смысловая плотность контекста, в котором музыка создана, может стать землей обетованной для поклонников киберпанковских декораций.

Вторая часть мини-альбома, обозначенная как Aftersound, переходит в более глубокие слои контекста, от прямого цитирования образов переходя к исследованию базовых структур звука - входящие сигналы и их послезвучия образуют муаровые рисунки в духе дальневосточного минимализма. Легкие всплески шума и гулкие пространства, наполненные хвостами реверберации, все это наслаивается в простой манере интуитивного серфинга по уровням реальности. Так хорошо визуализированный в интернете, этот процесс происходит и в реальной жизни: сами того не замечая мы переходим в мышлении и речи от объектов к их символам, от символов - к знакам и обозначениям символа, все дальше и дальше погружаясь в уровни абстракции. Распознавание образа не создает для нас проблем, если образ заранее обозначен контекстом в котором он воспринимается. Так и здесь, типажи и декорации футуристического мира проступают за абстрактными звуковыми полотнами не столько из-за того, что они и правда там есть, сколько на впечатлениях от прослушивания первой части Signs Of Future. Именно эти отголоски и формируют характер образов, которые воображение само создает из аморфного тумана бесконечно реверберирующих пространств, лишь изредка пронзаемых разрядами шумов, цифровых сбоев и "конкретных" звуков и призрачной ритмикой. Солидный постмодернистский текст может родится в попытке продолжить это исследование, но я, пожалуй, избавлю вас от этого, порекомендовав взамен лосслесс-файлы, скачанные с bandcamp-страницы проекта, темноту и хорошие наушники.

sings of future ep
sings of future: aftersound

The Infant Cycle – Drop-out Center

The Infant Cycle
Drop-out Center
Zhelezobeton records, 2012
(limited edition CD, 4-panel digipack)

Каждый предмет содержит в себе звук, нужно лишь найти способ его извлечь. Истина, казалось бы очевидная, да только не спешите причислять ее к банальностям. То, что звук извлечь можно из чего угодно и так понятно, да только каким он будет? Ведь большинство предметов, нас в повседневности окружающих, издают не такие уж и приятные звуки. Любителю шума легко угодить, можно просто колотить ложкой по столешнице, а вот как сделать музыку из бренчания птичьей клетки? В электронном звукотворчестве немало умельцев, но лично мне всегда было интересней слушать музыку, полученную из материальных объектов. Вроде бы разницы никакой, все равно ведь каждый звук искажается до неузнаваемости, однако есть что-то фундаментальное в самом факте извлечения такого трансцендентного явления как музыка из сугубо материального пространства.

Джиму ДеДжонгу неинтересно записывать инструменты как полагается, он использует лишь обрывки их звучания, заевшие пластиночные петли, бытовые шорохи и едва заметный шум динамиков. Для него разницы между птичьей клеткой и мандолиной не существует, есть лишь интрига в том, как извлечь из них непривычный звук. Их вышесказанного может сложится впечатление, будто на диске звучит какофония бытовых звуков, но на самом деле там нечто практически противоположное. Пространство альбома изящно структурировано, выверено, подобно ладно смазанному механизму. В чем-то даже слишком красиво, чтобы быть причисленным к простой механике. Композиции альбома, подобно кропотливо собранным спичечным домикам, очевидно записаны в неком медитативном состоянии, что не может не проявится в их влиянии на слушателя. Спирально затягивающие петли звука длинных треков напоминают пост-рок в исполнении Tortoise, искусно нанизанный на протяжные нити электроакустического эмбиента в духе Лоуренса Инглиша (Lawrence English) или Тейлора Дюпри (Taylor Dupree). Кульминационная и, бесспорно, самая впечатляющая композиция Shiny Venus Part 2 показывает еще один интересный характерный для Джима прием - звуки, составляющие музыку, постепенно приглушаются, уплощаются, словно истираясь в долгом повторении, будто бы заслушанные кассеты или пластинки.

Прослушивание этого диска создает особое настроение, охарактеризовать которое через прилагательные сложно, разве что через их отрицание. Безэмоциональное, отвлеченное, рассредоточенное – звуки стрекочут и щелкают, а внимание ускользает все дальше и дальше, делая окружающее видимым будто бы сквозь выпуклое увеличительное стекло. Когда растянутые контуры предметов замыкаются в сферу, исчезает грань между звуком и светом, ощущением и действием, тишиной и сном. Все становится бесконечным, теряя контуры материальности и временной протяженности. Музыка Drop-out Center развоплощает окружающую действительность, давая увидеть "вещь в себе" каждого предмета или явления. Звук. Тишина. Звук. Тишина. Точно по центру между ними.

label page
listen at bandcamp

Seefeel - Seefeel

Seefeel

Seefeel

Warp, 2011

01. O-On One - 1:04
02. Dead Guitars - 6:25
03. Step Up - 1:04
04. Faults - 5:45
05. Gzaug - 2:48
06. Rip-Run - 7:02
07. Making - 5:53
08. Step Down - 0:52
09. Airless - 5:41
10. Aug30 - 5:47
11. Sway - 9:18

www.kievreport.com

В современном перенасыщенном аудио-пространстве у музыканта есть два способа для того, чтобы оставаться на виду. Легкий путь — забрасывать публику альбомами, синглами, ремиксами и видеоклипами. Этой «стратегии» придерживаются практически все, и она себя оправдывает. Только велика вероятность так же быстро надоесть и «исписаться». Второй способ — написать несколько работ, но настолько идеально выверенных и качественных, что эта музыка поселится в душах тысяч покоренных слушателей. Так появляются «культовые» исполнители, записавшие парочку «культовых» альбомов и исчезающие, растворяющиеся в лучах собственной славы. Seefeel никогда не были продаваемой или чрезвычайно востребованной группой, но так любимая публикой культовость прилипла к их имени достаточно быстро.

Работы Seefeel выходили на Warp и на Too Pure, а для большинства коллективов этого более чем достаточно для приобретения легендарного статуса. Но дело в том, что их альбомы действительно отличались, по-настоящему увлекали. Это была романтика полета в лучах заходящего солнца на крыльях теплого ветра. Тепло и воздушность — две главных составляющих музыки Seefeel, обеспечили ностальгическое отношение к их музыке. Будучи однажды прослушанной в соответствующем приподнятом настроении, она может вызвать его снова спустя много лет. Далеко не каждое сочетание бита с эмбиентом настолько эффективно. Это были 90-е: время, когда критики кричали о смерти электронной музыки, пока она мутировала и рождала новые удивительные виды в бесконечном эволюционном танце.

Пресловутая и обожаемая всеми культовость обычно подразумевает исчезновение коллектива из поля зрения поклонников. Когда это условие не соблюдено, группа эту культовость растрачивает, будто питаясь лишь за ее счет. Еще чаще происходит Возвращение. Реюнионы стали таким же простым способом «подзарядиться» за счет запасенной культовости, как, например, ремейки старых блокбастеров или, чего лучше, пересъемка старых
фильмов в 3D...

Часто ли бывает, чтобы ремейк был лучше оригинала? Часто ли реюнион задумывается не ради денег и былой славы? В данном случае так и хочется сказать об исключении, но все же стоит взвесить все аргументы. Новый альбом после 14 лет тишины — возвращение эпичное, торжественное. Это чувствуется в альбоме со второго трека. Seefeel потяжелели, обросли низкими частотами и дисторшном. Тяжелый бит словно расталкивает толпящихся молодых дабстеп-продюсеров, и они разбегаются в ужасе, спотыкаясь своим псевдо-степом, который только-только пророс из останков минимал-техно задохнувшегося в чаде ночных клубов.

Seefeel помнят, как делать эмбиент, помнят настоящий трип-хоп и даб. Их звук современный, сочный и плотный. В нем осталось лишь эхо былой воздушности в виде доносящегося издалека вокала и эмбиентных проигрышей. За счет своей медленной и уверенной поступи, ленивой как прежде, эта музыка сохраняет былую атмосферу, но, благодаря постоянным сбивкам и цифровым искажениям, она звучит словно сквозь помехи, создаваемые сегодняшним днем. Так звучали бы современные ремиксы на Bowery Electric или шугейз-эмбиентные кавера на Portishead.

Ощущения после прослушивания смешанные — музыка очень качественная, красиво и мощно звучащая. Рассматриваемая сама по себе, она заслуживает наивысшей оценки. Но трудно забыть культурный аспект, ведь музыка существует сама по себе лишь в неком ограниченном пространстве. Как явление комплексное, она должна быть рассмотрена в обстоятельствах своего появления. Каковы бы ни были причины, побудившие Seefeel записать этот альбом, они сделали это с тонким расчетом на современность: вооружившись таким популярным нынче дабстепом, обернувшись в IDM и окружив острые углы всегда приятным эмбиентом.

Как бы там ни было, эта музыка существует сама по себе. Гудит, вращается, стучит, танцует. И делает это на высшем уровне.

download at mediafire

Ryoji Ikeda - Ощути себя оптоволоконной линией

Шумовая электроника, особенно экспериментального толка, редко бывает приятной уху неподготовленного слушателя. Начиналось все в 70-х с «конкретной музыки», (которая существует в замороженном виде и поныне), продолжилось в виде массы нойз-дрон-эмбиент-индастриала, и сейчас каждый, кто умеет издавать звуки из компьютера или какого-то оборудования может считаться «композитором». Особенно щедра таким продуктом земля японская, ныне пребывающая в стрессовой ситуации, которая, несомненно, принесет в будущем еще больше агрессивного нойза и всяческого непременно высокочастотного саунд-дизайна.

В массе беснующихся в потоках шума японцев всегда выделялся интеллигентный Ryoji Ikeda (Риодзи Икеда). Его музыка заслуживает пристального внимания, хотя бы потому, что это настоящий современный минимализм — впитавший настрой академического минимализма Стива Райха и развивающий идеи Ксенакиса и Штокгаузена в пенящемся море современной электроники. Музыка Икеды мало подходит для домашнего прослушивания, а обложки его дисков предостерегают от прослушивания в наушниках или на большой громкости. Это звук для наполнения помещений, создание акустической среды,

в которой слушатель никогда не бывает пассивным, каждым своим движением или даже одним присутствием изменяя личную аудио-картину. При этом звук Икеды никогда не существует отдельно от видео — этот мигающий черно-белыми полосками медиа-конгломерат можно назвать его визитной карточкой или, скорее, его вселенной, двумерной на экране, многомерной в звуке.

Его звук создан из чередования примитивных структур — синусоид и шумов. Видео, как правило, не намного разнообразнее. Быстрый поток этих данных имеет очень сложную структуру — стоит лишь посмотреть на спектрограммы треков. Этот поток в буквальном смысле прошивает мозг насквозь, пронизывает нервную систему и иногда совсем не сложно ощутить себя оптоволоконной линией связи, по которой текут гигабайты загадочной информации. Бинауральные эффекты и психоакустические фокусы — мастер Риодзи пользуется всем этим чрезвычайно виртуозно, заставляя звук стать частью обстановки, что по сути является переосмыслением идей Эрика Сати в контексте XXI века, расширяя его функцию от чисто инсталляционной до биологической, создавая некое наполнение медиа внутри мозга слушателя. Логично, что при этом он задействует два основных канала доступа — глаза и уши.

Тем, кто уже поставил на закачку все альбомы, важное замечание — это именно та музыка, которую нельзя слушать в мр3 формате. Часто вы рискуете попросту ничего не услышать, так как большинство аудио-событий происходит за 16 kHz.

Если ранние работы Икеды вполне могут быть отнесены к «чрезвычайно интеллектуальной танцевальной музыке», то поздние вещи — настоящая алхимия современности, преображение слушателя в часть композиции. Классическими альбомами уже уверенно можно назвать Matrix и Dataplex, последние работы развивают те же наработки. Особое внимание стоит уделить альбому Op, на котором музыку Икеды исполняет струнный квартет (!). Его типичный прием — исчезновение звука за предел слышимости, как нижний, так и верхний. Обилие высоких частот может вызывать неприятные ощущения у людей с расстройствами психики, хотя иногда кажется, что здоровый человек не-японец это тоже слушать не может.

Также не стоит забывать о совместном проекте Риодзи с Николаем Карстеном (Alva Noto), где его музыка за счет стараний Николая становится намного более человечной и слушабельной. Недавно вышедший id — второй альбом проекта — идеален для начального ознакомления с подобной музыкой. Здесь типичное высокочастотное насилие уходит на задний план, уступая место плотно сбитым басовый партиям и хрустящим глитчам. Карстен движет огромную махину лейбла raster-noton, уж ему-то не знать, что сделать с музыкой Икеды, чтоб она стала актуальной здесь и сейчас, а не в пятом тысячелетии. Хотя и эта работа не лишена машинной безразличности к слушателю. Если творчество вообще — это интерпретация информации, то эта музыка — информация сама по себе.

kievreport.com/