Panabrite — Pavilion

Panabrite
Pavilion
Immune, 2014

Проект Норма Чемберса из Сиэтла уже неоднократно фигурировал в множестве блогов, журналов и радиопередач. На его счету как минимум пара туров по двум континентам, десяток-другой кассетных альбомов и теперь - полноформат на виниле. Его музыка звучит будто бы из параллельной вселенной, где история нашей цивилизации пошла несколько иным путем - в мирном и согласованной развитии люди осваивают Луну и окружающий космос, детей возят на экскурсии по каньонам Марса, а за столиком орбитального ресторана можно расслаблено попивать какао, глядя на медленно вращающуюся вдали матушку-Землю. При этом музыка, подобная той, что звучит на альбоме, исполняется в гигантских консерваториях под открытым звездным небом, в садах лунных станций (чтобы деревья лучше росли) и, само собой, в залах ожидания космопортов и пересадочных межпланетных станций. Утопическое будущее, которое наш мир променял на межнациональные конфликты и войну за ресурсы... Что ж, на то она и мультивселенная, чтобы каждый из вариантов событий мог развиваться все дальше и дальше, раскрываясь бесконечностью возможных вариаций.

Есть в этом альбоме и что-то от принципа неопределенности - стоит лишь начать наблюдение, как система меняется. Отвлеченное от структуры композиций и мелодий слушание дает гораздо больший простор, потенциальное поле возможностей, чем вдумчивый разбор по деталям. Конечно, то как Норм свою музыку создает, тоже весьма интересно. Здесь есть не только изящная работа с винтажным звуком синтезаторов, но и вполне нетривиальное построение паттернов каждого из слоев звука, которые составляют треки. Да и простые ассоциации космического толка отходят на задний план по мере того, как начинаешь вслушиваться все глубже и дальше. В музыке проявляется что-то неосязаемое. Вместо того, чтобы представить некий параллельный мир только визуально, начинаешь ощущать его настроение, дышать его воздухом и чувствовать себя по-настоящему в другом месте. Замечательная работа, однозначный фаворит уходящего года!

listen/ buy

Radik Tyulyush — Chalama

Радик Тюлюш
Chalama
Self-released, 2013

На отечественной сцене в последние годы появилось немало исследователей народной музыки, или этники - как ее принято называть в музыкальной индустрии. Как правило это означает синтез народных песен с чем-то более современным, от рок-музыки до экспериментальной электроники, но в итоге общий знаменатель остается проглядывать столько же очевидно, как в алгебраических уравнениях для школьников. В какой-то момент может возникнуть закономерный вопрос: зачем, собственно, изобретать что-то заново и смешивать и без того самодостаточную музыку с чем-либо еще? Как правило, дается простой ответ, мол публика сейчас "чисто народную" музыку воспринимает плохо, так как темпы жизни растут, вкусы давно испорчены, посему заинтересовать кого-то переливами нот на гуслях (да еще без какого-то аккомпанемента!) дольше, чем на пять минут стало сложно. Конечно, жанр народной "песни и пляски" никуда не исчез, но практически целиком трансформировался в громадное количество ансамблей, которые творческое наследие в конвейерном режиме преподносят либо скучающим офисным работникам на корпоративах, либо изливают непомерными количествами на посетителей столь популярных нынче этно-фестивалей. Найти за всем этим какую-то искренность становится все сложнее, так как многократное немудреное повторение стирает древние песни и наигрыши до состояния булыжников в брусчатке - они блестят и крепко держатся, но удивляют разве что жителей тех городов, где промышленным асфальтом все исторические улицы закатали уже давным-давно.

Радик Тюлюш - исполнитель давно известный, опытный, и, что называется, знающий себе цену. Многие исполнители той или иной традиции горлового пения на волне бурного к нему интереса успели перепробовать себя и в джазе, и в академической музыке, и даже в откровенной попсе. Новый (уже второй) сольник Радика можно было бы назвать пост-этникой, если бы приставка "пост-" не была такой заезженной. Тем не менее, в звучании альбома ощущается все то, через что прошла и проходит сейчас народная музыка на своем пути к слушателю: нью-эйдж сессии и эзотерические семинары, "этно-джаз" и фолк-эмбиент, смешение инструментов самых разных традиций в одно целое... Но "Чалама" идет дальше, не размениваясь на модные тенденции. Это стопроцентно народная музыка, несмотря на присутствие в ней элементов современности. И стопроцентность эта обеспечивается тем, что альбом не упирается в рамки традиции с одной стороны, и не замутнен примесями современности - с другой. Это тувинская музыка в том виде, в котором она существует сейчас, живая, живущая, развивающаяся. Не замороженная в архивах этнографов, не поставленная на коммерческую окупаемость, не призванная веселить и развлекать. Эти песни отчетливы, как морозный воздух в легких, насыщены любовью к жизни и миру вокруг. Это то, что невозможно подделать, невозможно скопировать. Это просто ощущается и трудно поддается выражению в словах. Искренняя любовь к звукотворчеству видна за каждой композицией, а чувство и впечатление здесь гораздо более важны, чем следование какому-либо из правил. Приятное погружение в простор образов, созданных на диске "Чалама" обеспечивается еще и тем, что ни песня, ни музыка не отделяются друг от друга, единым целым перетекают из трека в трек и в какой-то момент можно вообще забыть о том, что играет музыка, а ты ее слушаешь. Все превращается в непрерывный поток событий, историй и состояний, каждое из которых впечатляет и вдохновляет. Поток, начало которого теряется в веках, уверенно несущий свои волны в бесконечность будущего.

listen / free download

Interview with Mathias Grassow

Interview with Mathias Grassow


Read in English

PiedPaper: Hi Mathias! How are you? Let's start from the beginning: when you was a child, were you interested in music? When you realized that this is something you gonna do?

Thanks so far. I'm well, except some business troubles, stress and the usual things in business life. To your question: My interest in music was growing in the early 70s. I remind my first LP's from Les Humphries Singers, The Arcade and K-Tel long-plays at this time. Since the mid 70s I was interested in rock music. My first LP's were from Uriah Heep, Kiss, Sweet, Jethro Tull... After a while I was impressed by art-rock, especially Yes, Renaissance, Elp, Gentle Giant and else. All the giants from this time I liked very much. I searched for looong pieces to get out of this world and I wanted to listen to music, not everybody listens to ;-). Then, beside rock music I found Tangerine Dream and Klaus Schulze. It's impossible to get not influenced by them, if you're playing synthesizer... Funny that I decided to create own music, after I was so disappointed from the albums from Schulze and TD around 1980. I wanted to keep the spirit of TD and Schulze during the mid 70s 'til the early 80s going on and on. My decision to choose synth was obviously then. But my ground aim was to play drums, later guitar. In the early 80s all musicians from the local scene wanted to play punk, disco, or something like Police. I personally wanted to combine the electronic creations from my idols with the symphonic rock like Yes. No chance! :-( At the beginning of making own music I was not into new-age, drones and else. My first connections with spiritual music was my long stayed friends Peter-Michael Hamel and Georg Deuter.

PiedPaper: In 70s Germany gave a lot to world of music: krautrock experiments, berlin school electronica, new age music... I'm sure it influenced you, but your choice was ambient and drone - when did you become aware about drone music in the first place?

Oh, I see, that this question is answered in the first one. Drone music was not categorized in the 70s and 80s. I was influenced by the munich school more than from berlin school, so Popol Vuh, P.M. Hamel, Stephan Micus and my 'father and teacher' Klaus Wiese gave me the secrets of drones without many words. It cames by itself . I never saw myself in the drawer of 'drone-music'. Very much later I found the secrets of drones in philosophy and in sufism, in indian music and in alchemy!

PiedPaper: One of your project names was Musical Philosophy - I suppose it is something close to Eastern philosophy like Vedanta, Buddhism or Sufism, neither than Schopenhauer or Hegel, right? Are you attached to some certain teaching or it's kind of synthesis of all of aforementioned?

I got this project name during a meditation with music from Georg Deuter in the early 80s. At this time I had no aim and no 'real' philosophy behind. I recall myself with a book I got from my parents - "Deutschland Deine Denker". It was a funny book that gave me an impression of the main philosophy for e.g. from Schopenhauer, Kant and Hegel. I'm a fan of history and geography and the main heads of religion, science and metaphysics since my childhood. My first teachings came from Osho, Buddhism and then Sufism; later the mystic side of christianity and in the last 5 years - shamanism.

PiedPaper: Speaking of shamanism - I've always thought about drone as the most ancient form of music, its roots. Its traces can be found in every culture. But our culture re-invented drone, using modern instruments. How do you feel, drone (and ambient, perhaps) is something more archaic, or it's a natural evolution of western academic music?

Difficult to say. I work with drones for a long, long time and never "scienced" my works. Of course I've heard from Architectura Celestis, Harmonia Mundi and was impressed by the healing music from Hildegard Von Bingen (my work "Symphonialis Est Anima" is dedicated to her life and works), but the thoughts around my life-work came very late... Not before composing a track or an album ;-) Yes, yes I've heard Planet-Tones (Joachim-Ernst Berendt fundamental work on drone music - piedpaper), Hans Cousco and the possibility to calculate music the mathematical way... But I never did any science and research assignments in this, never.

PiedPaper: If "the eyes are mirror of the soul", what are music then? Can we say something certain about a musician on the assumption of music he creates? Or about listener? I mean, it happens all the time - musician can be just improvising and naming resulting tracks in random way, but then listeners see there some concept, inner meaning, etc. For example: when I first heard your "Morpheus" album, I though that it's kind of continuation of Robert Rich's idea of sleep concerts and his "Somnium" work, but then I read in some of your interviews that this is just name of the synth you've played that time. But, despite that, I still use "Morpheus" for sleeping and it works perfectly!

Hmm, I'm sure you'll find answers not in words, but in deep listening with your heart! Heart wisdom is christ consciousness... I found my personal answers in the books "Durch Musik Zum Selbst" from my friend Peter-Michael Hamel and in "Nada Brahma - Die Welt Ist Klang" from Joachim-Ernst Berendt. So, if "the eyes are mirror of the soul" (this is not a universal true law for me ;-), then "the heart is the mirror of our being here" - a taste of Samadhi, where all is one and one is all - behind "shunyata - the magnificent void". We are sound, all is sound... And if your body consists of near to 70% of water, you're into the "Big Sound", by finding answers in your heart (-pounding) and while watching your Breath.

PiedPaper: Are listeners feedback on your creations affects you somehow? I suppose many musicians would say no, but maybe it's something subliminal. Otherwise they were just recording for themselves, not releasing any albums, right? Do you read reviews or some blogs, zines, internet forums perhaps?

Yes and no... I listen carefully if a fan writes me that the drone XXX brought him to tears while remembering a situation in childhood.... And this every time he listen to that piece... I like such very private feelings and statements much more than the usual blablabla like 'what synths you're playing'; 'how do you create this and that drone' and else... Every fan who writes me his impressions will get a personal answer by time. I want to be in connection with my listeners and so this has an influence to my compositions. Of course!

PiedPaper: As I understand, your live shows are very rare - it's because you prefer studio work or you need some special place or equipment to make them right? Sadly, I've missed your show in Moscow few years ago, any chance that you'll play there again?

My shows are very rare because of reasonable offers. That means: no attractive locations, neither fee of expenses . Cost coverings for travelling, hotel and else are the minimum standard I ask for first. Here in Germany it often fails because of local problems with government and all the business shit which is all around, if the organizer is not a fan of this music, you understand? Moscow was a personal effort of a fan there and maybe I'll come back... Who knows? There are plans in the pipeline for concerts in the Netherlands, in Sweden or Norway and in northern Germany (Gut Saunstorf near Wismar).

PiedPaper: I know many musicians, who's looking for balance between well-paid job and music making, which usually isn't enough to make a decent living. Did you ever had to make such choice? How do you think, is it still possible to make a living from underground music in the era of internet, when most people lose their interest to anything in just few minutes?

Funny that you asking this. Usually it's impossible to live from this kind of music. Too much "free" music you'll get via internet and the fans are not really motivated in seeing me playing live. There are many reasons, not to be discussed here, but I heard that the typical drone fan is sitting at home with good headphones, instead of driving to a live concert next town. Concerts are good promotion every time and the direct contact will keep sales much better, than waiting until someone will order via internet. So, the sales are down and although I have a big name in the scene, the sold CD's in a year are below 500 pcs. (from all available albums!). I like to combine music with light, other kind of art... More as an unique experience and so on. From the current status I have no real choice for a decision...

PiedPaper: Actually, there are big revival of tape culture going for last couple of years, especially in drone/ambient and new age music. Labels do 100-tape editions every month and they're sold out in few weeks! In Germany I know Cosmic Winnetou from Stuttgart and SicSic Tapes in Frankfurt - maybe you've heard of them. Would you release something on a tape again, if someone will ask you? Or re-release some of your early cassette-only albums, maybe?

I like tapes very much. I was growing up with tapes and the process of listening to a tape or vinyl is completely another than to put 1000s 'songs' and faceless stuff to you iPod... Anyway, I like to re-release tapes and vinyl, if someone asks me, of course! I never heard from both labels, but I'm familiar with Drone Records in Bremen.

PiedPaper: Your latest works is definitely one of the best kind of drone music I know and I'm seriously say that. Many drone artists now just follow the way of early minimalists like La Monte Young, Eliane Radigue or Phil Niblock. The latest invention is various mixes of drone and psychedelic lo-fi music. But listening to your "Sonnenwende" or "Alchemystery" albums I can clearly imagine the future where drone music are being played in big philharmonic concert halls. Do you think that possible? Or drone is condemned to be in underground?

Thank you for that! During some drug experiences I got the same idea of the future of drones ;-). Sometimes (without any stuff) I have complete partitures in my head while listening to my own drones - choirs, organs, brass, etc. Yes, I like the idea of 'philharmonic drones'. And I still work on concepts for realization!

PiedPaper: Tell about your current work, any plans for future releases that you can uncover? By the way, what is happening now with your side-projects Anam Cara, Nostalgia, Wintersilence and others?

I like project names to give fans an orientation for which kind of music a project name stands for. Anam Cara is more in the idea of combining art-rock with drones; Nostalgia is a follower of the gothic thing (I'm a fan of goth films like Roger Cormans movies with Vincent Price); and Wintersilence is a trial to work with elements from techno-chill-out music in DJ way with spiritual drone music. All projects are not given up, but they rest in calm waiting for new inspirations. After a guinness-record-book output in 2012 I slowed down in 2013/14. I made not so much new music this year and will release some old CD-R albums together with Gterma and Databloem. After re-releasing the best works I made in the last 20 years, I'll see where destiny leads me. Uncover? Hmm, let yourself surprise!

PiedPaper: Okay, think that would be enough! Feel free to add anything and thank you very much for the interview!

Thanks much too! Let me say at this point that I'm impressed and touched by my russian fans, their faithfulness and loyalty through the years! Also it's a big honour for me, that I set an example for many russian fans who play synth by themselves. Thank you too for the great questions!

PiedPaper: Привет Матиас! Как ты? Давай начнем с самого начала: когда ты был ребенком, тебя интересовала музыка? Когда ты понял, что это то, чем ты бы хотел заниматься?

Спасибо! Я в порядке, за исключением разве что некоторого стресса из-за дел. К твоему вопросу: мой интерес к музыке проявился в начале 70х. Помню, мои первые пластинки - это были лонгплеи Les Humphries Singers, The Arcade и K-Tel. С середины 70х я увлекся рок-музыкой. Первыми любимыми группами были Uriah Heep, Kiss, Sweet, Jethro Tull... Позже я увлекся арт-роком, особенно Yes, Renaissance, Elp, Gentle Giant и другими. Я слушал всех титанов того времени. Я искал очень длинные композиции, в которые можно было погрузиться, уйти из этого мира, и еще я хотел слушать ту музыку, которую слушают далеко не все ;-) Потом, кроме рока, я открыл для себя Tangerine Dream и Клауса Шульце. Невозможно не попасть под их влияние, если ты играешь на синтезаторе... Забавно, я решил создавать собственную музыку после того, как меня разочаровали альбомы TD и Шульце, выходившие в 80х. Мне хотелось сохранить дух их альбомов середины 70х и начала 80х. Решение выбрать для этого синтезатор было очевидным. Хотя поначалу я хотел играть на барабанах и гитаре. В начале 80х все музыканты на местной сцене хотели играть панк, диско или что-то вроде Police. Лично я хотел объединить электронные творения моих кумиров с симфоническим роком в духе Yes. Безуспешно! :-( В начале своей музыкальной деятельности я не увлекался нью-эйджем, дроуном и т.д. Мое первое соприкосновение с духовной музыкой произошло благодаря моим давним друзьям - Петеру-Михаэлю Хамелю (Peter-Michael Hamel) и Георгу Дойтеру (Georg Deuter).

PiedPaper: В 70х Германия подарила миру музыки очень многое: краутрок, берлинскую электронику, нью-эйдж... Я уверен, это как-то повлияло на тебя, но все же ты выбрал эмбиент и дроун - когда ты впервые узнал о дрон-музыке вообще?

Я так понимаю, что частично ответил на этот вопрос в начале. Дроун не был обозначен как стиль в 70х и 80х. Гораздо больше, чем берлинская, меня вдохновила мюнхенская школа, так что Popol Vuh, П.М Хамель, Стефан Микус (Stephan Micus) и мой "отец и учитель" Клаус Визе (Klaus Wiese) были теми, кто научил меня секретам дроуна без лишних слов. Это пришло само собой. Я никогда не видел себя в рамках "дроун-музыки". Гораздо позже я узнал о тайнах дроуна из философии, в суфизме, в индиской музыке и в алхимии!

PiedPaper: Один из твоих проектов назывался Musical Philosophy - я так понимаю, это что-то более близкое к восточной философии вроде веданты, буддизма или суфизма, чем Шопенгауер или Гегель, так ведь? Ты считаешь себя приверженцем какого-то определенного учения, или это скорее синтез всех вышеуказанных?

Это название пришло ко мне во время медитации под музыку Дойтера (Deuter) в начале 80х. В то время у меня не было конкретной цели или какой-то философии в основе музыки. Я помню себя с книгой, подаренной родителями - "Deutschland Deine Denker". Это была забавная книга, которая дала мне представление о классической философии вроде Шопенгауера, Канта или Гегеля. Я увлекаюсь историей, географией, а также ведущими религиями, наукой и метафизикой еще с детства. Но первые учения я получил из книг Ошо, буддизма и позже - суфизма. Еще позже - из мистического христианства, а в последние пять лет я увлекся шаманизмом.

PiedPaper: К слову, о шаманизме - я всегда считал дроун самой древней формой музыки, ее истоком. Следы дроуна можно найти в любой культуре. Но наша культура переизобрела его, используя современные средства. Как тебе кажется, дроун (или, возможно, эмбиент) - это что-то архаичное или это результат естественной эволюции западной академической музыки?

Сложно сказать. Я работаю с дроунами уже очень давно и я никогда не рационализировал свое творчество. Конечно, я слышал Architectura Celestis, Harmonia Mundi и был очень впечатлен исцеляющей музыкой Хильдегарды Бингенской (мой альбом "Symphonialis Est Anima" посвящен ее жизни и деятельности), но осмысление работы всей моей жизни пришло гораздо позже. Не перед записью треков или альбомов ;-) Да, я слушал Planet-Tones (фундаментальная работа Иоахима-Эрнста Берендта о природе дроун-музыки - piedpaper), Ханца Куско (Hans Cousco) и знаю о возможности рассчитать музыку математически. Но я никогда этим не пользовался, никогда.

PiedPaper: Если "глаза - зеркало души", что тогда музыка? Можем ли мы сказать что-то определенное о музыканте, исходя из его творений? Или о слушателе? Это ведь происходит постоянно - музыкант может быть просто импровизировал и назвал записанный результат случайными именами, но слушатель находит в этом какой-то концепт, внутренний смысл и т.д. Например, когда я впервые услышал твой альбом "Morpheus", я подумал, что это что-то вроде продолжения "спящих концертов" Роберта Рича и его альбома "Somnium", но потом в каком-то из твоих интервью я прочитал что это просто имя синтезатора, на которым ты тогда играл. Но, несмотря на это, я до сих пор использую "Morpheus" для сна и он отлично работает!

Хмм, я уверен, ты найдешь ответы не в словах, но в глубоком слушании, в своем сердце! Мудрость сердца это сознание Христа... Я находил для себя ответы на многие вопросы в книгах вроде "Durch Musik Zum Selbst" Питера-Михаэля Хамеля и "Nada Brahma - Die Welt Ist Klang" Йоахима-Эрнста Берендта. Так что, если "глаза - зеркало души" (хотя я не думаю, что это всегда так :-) ), то "сердце это зеркало нашего бытия здесь" - вкус самадхи, где все едино и единый есть все - за гранью "шуньяты - величественной пустоты". Мы - звук, все звук... И если твое тело состоит примерно на 70% из воды, то ты находишься внутри "Вселенского Звука", обнаруживая ответы в биении сердца и наблюдая за своим дыханием.

PiedPaper: Оказывает ли на тебя какое-то эффект впечатления слушателей от твой музыки? Думаю, многие музыканты сказали бы "нет", но может это что-то подсознательное. Иначе все бы просто писали музыку для себя, ничего не издавая, так ведь? Читаешь ли ты какие-нибудь блоги, форумы или журналы?

И да, и нет... Я внимательно слушаю, если поклонник пишет мне, что дроун XXX довел его до слез, позволив вспонить какое-то событие из детства... И это каждый раз, как он слушает этот трек... Мне нравятся такие очень личные впечатления и рассказы гораздо больше, чем обычное блаблабла в духе "на каком синтезаторе ты играешь", "как ты делаешь вот такой дроун" и т.д. Я отвечаю каждому из поклонников, кто пишет мне свои личные впечатления. Я хочу быть на связи со слушателями, так что да, это влияет на мое творчество, конечно.

PiedPaper: Как я понимаю, твои концерты - большая редкость. Это из-за того, что ты предпочитаешь работать в студии или из-за того, что нужно какое-то особенное оборудование или помещение? К сожалению, я пропустил твой концерт в Москве несколько лет назад, есть ли шанс, что ты приедешь снова?

Мои концерты бывают очень редко из-за отсутствия разумных предложений. А именно: нет ни привлекательных локаций, ни оплаты расходов. Оплата дороги, отеля и всего такого - обычный минимум, который я прошу. Здесь, в Германии даже это часто невозможно из-за проблем с государством и всякими бизнес-дерьмом, которое так или иначе всплывает, если организатор не фанат такой музыки, понимаешь? Москва была личным делом одного поклонника оттуда, и возможно я приеду еще... Кто знает? В планах есть концерты в Нидерландах, в Швеции или Норвегии, также в северной Германии (Gut Saunstorf недалеко от города Висмар).

PiedPaper: Я знаю многих музыкантов, которые пытаются найти баланс между хорошо оплачиваемой работой и созданием музыки, которым обычно на жизнь невозможно заработать. Тебе когда-нибудь приходилось делать такой выбор? Как думаешь, все еще возможно жить с продаж андеграундной музыки во время, когда большинство людей теряют интерес к чему-либо через пару минут?

Забавно, что ты спрашиваешь это. Обычно невозможно прожить на такого рода музыке. Слишком много бесплатной музыки в интернете, и поклонники не особо заинтересованы в том, чтобы ходить на концерты. Тому есть много причин, которые мы здесь не станем обсуждать, но я слышал, что обычный фанат дроуна сидит дома в хороших наушниках вместо того, чтобы ехать на концерт в соседнем городе. Концерты - хорошая раскрутка и это прямой контакт со слушателем, что способствует продажам гораздо больше, чем сидеть и ждать, пока кто-то закажет что-нибудь через интернет. Так что продажи падают и хотя мое имя вроде бы достаточно известно на этой сцене, я продаю не больше 500 дисков в год (это из всех доступных альбомов!). Также я люблю объединять музыку со светом, другими видами искусства... Более уникальный опыт, что-то новое. Но на данный момент у меня нет конкретного решения.

PiedPaper: На самом деле, в последние годы происходит мощное возрождение кассетной культуры, особенно в дроуне / эмбиенте и нью-эйдж музыке. Лейблы выпускают кассеты тиражом в сто штук и они расходятся за пару недель! В Германии я знаю Cosmic Winnetou из Штутгарта и SicSic Tapes во Франкфурте - может быть ты слышал о них. Хотелось бы тебе издать на кассете что-нибудь? Или переиздать что-то из своих старых альбомов, которые только на кассетах и выходили?

Я очень люблю кассеты. Я вырос на них и процесс прослушивания кассеты или винила это что-то совсем другое, чем залить тысячу безликих песен на свой iPod... Конечно же я бы хотел издать что-то на кассетах или виниле, а как же! Никогда не слышал об этих лейблах, что ты назвал, но я знаю Drone Records в Бремене.

PiedPaper: Твои недавние работы - это, определенно, одни из лучших образцов дроун-музыки, я серьезно это говорю. Большинство исполнителей дроуна сейчас просто продолжают то, что уже когда-то сделали Ла Монти Янг (La Monte Young), Элианна Радиг (Eliane Radigue) или Фил Ниблок (Phil Niblock). Последнее изобретение - это разные смеси дроуна и психоделической лоу-файной музыки. Но слушая твои вещи вроде "Sonnenwende" или "Alchemystery" я вполне себе могу представить будущее, где дроун-музыка исполняется в больших залах филармоний. Как думаешь, такое возможно? Или дроун обречен оставаться в андегруанде?

Спасибо на добром слове! Во время одного из психоделических трипов у меня была такая же идея насчет будущего дроуна ;-). Иногда (без каких-либо веществ) у меня в голове возникают готовые партитуры во время прослушивания собственной музыки - хор, орган, духовые и т.д. Да, мне определенно нравится идея "филармонического дроуна". И я все еще работаю над ее реализацией!

PiedPaper: Расскажи о своей текущей работе, какие планы насчет новых изданий? Кстати, что сейчас с твоими сайд-проектами Anam Cara, Nostalgia, Wintersilence и остальными?

Мне нравится, когда название проекта дает слушателю ориентир в том, какого рода музыку стоит ждать. Anam Cara это попытка объединить арт-рок с дроуном, Nostalgia - продолжение готической темы (я фанат готического кино, вроде фильмов Роджера Корманса (Roger Cormans) с Винсентом Прайсом (Vincent Price)). Wintersilence это что-то вроде микса духовного дроун-эмбиента с диджейским техно-чиллаутом. Все эти проекты не заброшены, но пока что в спячке, ждут нового вдохновения. После гиннессовского рекорда по записям в 2012 я очень замедлился в 2013/14. Сейчас я делаю не так много новой музыки, и собираюсь переиздать кое-что из старых CDR-ных альбомов вместе с Gterma и Databloem. После переиздания лучших работ, что я сделал за последние 20 лет, посмотрим, куда судьба заведет меня. Раскрыть планы? Хм, оставим место для сюрпризов!

PiedPaper: Хорошо, думаю этого будет достаточно! Можешь добавить что угодно и спасибо тебе за замечательное интервью!

Спасибо и тебе! Хочу сказать, что я очень впечатлен и тронут моими российскими поклонниками, их верой и лояльностью все эти годы! Также, это большая честь для меня, что моему примеру следуют некоторые поклонники, которые сами играют на синтезаторах. Спасибо тебе за хорошие вопросы!


mathiasgrassow.de
facebook page
discography

Night & Tickets – Actually I Really Hate Summer

Night & Tickets
Actually I Really Hate Summer
Constellation Tatsu, 2014

Read in English

One of the main signs of globalization is blurring of boundaries, mixing of everything that was originally isolated. But simple mix aren't enough to create something new, system must self-organize, synthesizing new forms and ideas on the basis of deconstructed old ones. Modern philosophy has long passed that stage, now time has come for music. While some cultures try to preserve authenticity, reviving the tradition of song and dance, in the global information network everything is mingled so much already, that it makes no sense to look for the limits. Much more interesting is to find nodes and centers where something new emerges, something radically different from anything we had before. Yes, I am talking about new music styles appearing exclusively on the web. All kinds of artificially invented names don't convey the essence, which is simple - mixed scraps and fragments of old, long-forgotten music. But it's an approach that has invented 70 years ago, when there was a musique concrète. What is new here, you ask? Nothing yet. But something emerges already.

The music on this tape is a bright, almost reference example of what is happening with sound creation new in the depths of the Web. People lose their concentration, they drift on the expanses of the network, as slivers in the maelstrom of the spring meltwater. Snatches of videos and music tracks, posts on social networks and pictures in blogs - all merges into one psychedelic kaleidoscope, dissolving habitual consciousness and transforming human into super creature. And this is one of the main ideas of cyberpunk, so all that we have in the music world right now, I prefer to call one "webpunk" and nothing more. All of these made-up on the go vaporwave, seapunk and others - only the interpretation of an indivisible whole. This is stream of becoming, the moment of origin. We are like the audience, armed with 3D-glasses and popcorn, sitting on the edge of the giant Orion Nebula, in the depths of which new stars are born. One man here becomes irrelevant, and therefore it makes no sense to look for "the person who invented webpunk", as there is no commander in the anthill. Everything happening now with the music are the product of collective intelligence, a Network mind. This mind is only a child, it plays and entertains himself. And music sounds accordingly: it can't focus on anything for long time, jumps from one topic to another, loses itself in endless waterfall of information. But soon it will find itself, and dropping popcorn from the open mouths, we will see something that was never shown by any youtube-channel and never posted by any blogger. Something truly new.

Один из основных признаков глобализации - это стирание границ, всеобщее смешение всего, что изначально было обособленным. Но одного смешения мало, чтобы появилось нечто новое, система должна самоорганизовываться, синтезировать новые формы и идеи на основе деконструированных старых. Современная философия давно прошла этот этап, теперь настал черед музыки. Пока отдельные культуры пытаются сохранить аутентичность, возрождая песенно-танцевальные традиции, в глобальной информационной сети все уже смешалось настолько, что нет смысла искать границы. Гораздо интереснее находить узлы и центры, в которых зарождается что-то новое, принципиально отличное от всего, что было раньше. Да, я говорю о новых стилях музыки, которые появляются сейчас исключительно в Сети. Всевозможные искусственно придуманные для этого названия мало передают суть, которая как правило заключается в простом смешивании ошметков и обломков старой, отслужившей свое музыки. Коллаж, собранный из всего, что попадает под руку. Но это ведь подход, который придумали еще лет 70 назад, когда появилась musique concrète. Что же здесь нового, спросите вы? Пока ничего. Но что-то уже зарождается.

Музыка на этой кассете - яркий, практически эталонный пример того, что сейчас происходит с звукотворчеством на просторах Cети. Люди теряют концентрацию, их несет по просторам сети, как щепки в весеннем водовороте талой воды. Обрывки видео и треков, посты в соцсетях и картинки в блогах, все это сливается в единый психоделический калейдоскоп, растворяющий привычное сознание, превращающий человека в сверхсущество. А это уже одна из главных идей киберпанка, поэтому все что мы имеем в музыкальном мире сейчас, я предпочитаю называть одним термином - "вебпанк" и не более. Все эти выдуманные на ходу vaporwave, seapunk и прочие - лишь интерпретации неделимого целого. Это поток становления, момент зарождения. Мы словно зрители, вооруженные 3D-очками и попкорном, сидим на краю гигантской туманности Ориона, в недрах которой зарождаются новые звезды. Один человек здесь уже ничего не значит, и поэтому нет смысла искать "человека, который придумал вебпанк" - его нет, как нет командира в муравейнике. Все происходящее с музыкой сейчас - продукт коллективного разума, которым постепенно становится Сеть. Пока этот разум всего лишь ребенок, он играет и развлекается как может. Соответствующим образом звучит и эта музыка, она не может сфокусироваться ни на чем, перескакивает с одном темы на другую, теряет себя в бесконечном водопаде информации. Но скоро она себя найдет, и роняя попкорн из раскрытых ртов, мы увидим что-то такое, что не показывал еще ни один youtube-канал и на постил ни один блоггер. Что-то по-настоящему новое.

ctatsu fall batch
listen / buy

Thelxinoe - Apeirophobia

Thelxinoe
Apeirophobia
Noyade Records, 2014

Новая запись московского проекта Thelxinoe (дуэт Петра Л. из System Morgue и Алексея Захарова) продолжает линию развития дебютника - гитарные перегрузы и гулы, обернутые вокруг звучания саксофона. На этот раз вышло совсем не мрачно, зато более психоделично - переливы гитарных мелодий, утопленные в звуковом шторме, напоминают последние записи Expo '70 и вообще в целом все звучит очень даже умиротворяюще. Сразу можно вспомнить Dvory с их фирменным сочетанием гитарного дроуна и минималистичными мелодиями на трубе.

Между прочим, название альбома означает "боязнь бесконечности" и это чертовски хорошее имя для дроун-записи. Казалось бы, выходит парадокс - человек, боясь бесконечности, играет бесконечную музыку. Но если поразмыслить, то все мы боимся бесконечности больше всего, мы живем в конечном мире, наши жизни - мгновения в истории. Но при этом, бесконечность - это то, чего мы все страстно желаем. Экстаз любви погружает нас в состояние безвременности, когда нет разницы между секундой и тысячелетием. Того же мы ищем в различных изменяющих сознание веществах, этого же жаждем и занимаясь творчеством - музыкой, например. Музыка несет в себе бесконечность всегда, ведь разворачивается во времени она только постольку, поскольку есть слушатель, ее воспринимающий. На самом деле, это очень обширная для размышлений тема и я боюсь сейчас уйти далеко от сути. Хотелось бы сказать другое - не нужно бояться бесконечности, мы и так ей принадлежим всецело, без остатка. Пусть наша жизнь коротка, пусть смерть сотрет границы "я" и история покроет наши следы метрами пыли - вся Вселенная остается единым целым, в котором ничего не исчезает, только лишь переходит из одного состояния в другое. Может быть и эта музыка когда-то была звездой, растением или чьей-то возлюбленной? Кто знает...

listen / download

The End of the World Championship – Balance Beam

The End of the World Championship
Balance Beam
Sacred Phrases, 2014

Read in English

One would think - what may be easier than playing drone? Most people probably are confident that drone musicians have some little box with one button saying "record an album". And even those who understood what is happening, still often prefer clean and straight drone to something softer or easier - with ambient moods, field recordings, or something like that. I think that The End of the World Championship is one of those projects keeping tradition of pure, monolithic drone without any impurities - because there is not too much projects at the moment that aren't afraid of long form drones. For the first time I've listened to the Björn Granzow's music thanks to his Jehu & Chinaman release For Dear Life. Dense, thick and sonically rich layers of Bjorn's sound is the perfect example of music that eliminates dualism of statics and dynamics. Both merge into single paradoxal whole almost immediately as soon as you begin to delve into this music, immersing into continuum it creates.

Drone pioneer Phil Niblock once said in an interview that it is necessary to listen his music at extremely high volume - and this is true for any other true drone music. Those harmonics and resonances that you hear on the average volume, or in headphones completely disappear and give way to other sounds and sensations when the power of playback reaches several kilowatts. When the walls begin to resonate and the room is filled with standing waves and drifting sound layers - then you hear something completely unique. In fact, at this moment you create new aural space, unique to a given place and time. The situation here is similar to the performance of composer's music, because every orchestra plays same symphony somewhat differently - conductor defines a slightly different tempo, musicians are playing better or worse, etc. But for the drone music orchestra and notes are not needed - the location and sound equipment are conducting and the orchestra is your own consciousness. The music of this and other The End of the World Championship albums is repfect for this kind of experiments. There are enough degrees of freedom in it to create unique sound environment each time, you just turn speakers a little or experiment with the volume level. You can also try to listen to it from the different parts of your room - lying down, sitting or standing, eyes closed or open. All this sharpens your perception so powerfully that you can discover yourself hearing music even when it absent - the recorder is turned off, no transformer vaults nearby... But something still sounds! Congratulations, it means that you gone completely crazy got inside the drone, learned it as Ding an sich. Isn't that wonderful?

Казалось бы, что может быть проще дроуна? Большинство людей наверняка уверены, что у дроун-музыкантов есть какая-то своя "гуделка", на которой достаточно нажать одну кнопку, чтобы записать альбом. А даже те, кто понимают что к чему, все равно зачастую предпочитают чистому и бескомпромиссному дроуну что-нибудь помягче да полегче - чтобы эмбиент еще был, полевые записи или еще что-нибудь. Думаю, проект The End of the World Championship относится к числу тех, на ком вообще держится традиция незамутненного никакими примесями дроуна - ведь проектов, которые не стесняются весь альбом монолитно гудеть на данный момент существует не так уж много. Впервые я познакомился с творчеством Бйорна Грэнзоу (Björn Granzow) благодаря кассете For Dear Life, выходившей на замечательном лейбе Jehu & Chinaman. Плотные, густые, насыщенные слоями звука композиции Бйорна - идеальная музыка для устранения дуализма статики и динамики. И то, и другое сливаются в единое парадоксальное целое буквально сразу же, как только начинаешь вникать в эту музыку, погружаться в создаваемый ею континуум без остатка.

Пионер дроуна Фил Ниблок как-то сказал в одном из своих интервью, что его музыку нужно слушать исключительно громко - и это справедливо для любого другого настоящего дроуна. Те гармоники и резонансы, которые вы слышите на средней громкости, или, скажем, в наушниках, полностью исчезают и уступают место другим звукам и ощущениям, когда мощность воспроизведения достигает нескольких киловатт. Когда сами стены начинают резонировать, когда помещение наполняется стоячими волнами и дрейфующими пластами звука - тогда вы слышите нечто абсолютно уникальное. По сути, в этот момент создается индивидуальная для данного места и времени композиция. Ситуация, аналогичная исполнению композиторской музыки, ведь каждый оркестр играет одну и ту же симфонию несколько иначе - дирижер задает несколько иной темп, музыканты играют лучше или хуже, и т.д. Только для дроуна оркестр и ноты не нужны - дирижером становятся локация и звуковое оборудование, а оркестром - ваше собственное сознание. Музыка этого и других альбомов The End of the World Championship идеально подходит для такого рода экспериментов. В ней достаточно много степеней свободы, чтобы каждый раз создавать уникальную звуковую обстановку, достаточно лишь немного повернуть колонки относительно стен или поэкспериментировать с уровнем громкости. Еще можно попробовать слушать в разных частях комнаты, лежа, сидя или стоя. Все это настолько обостряет восприятие, что можно обнаружить себя слышащим музыку там, где ее казалось уже нет - магнитофон выключен, трансформаторных будок поблизости не наблюдается... Но что-то все равно звучит! Поздравляю, это означает что вы окончательно свихнулись проникли внутрь дроуна, познали его как вещь в себе! Разве это не замечательно?

label page
listen / buy
interview with Björn Granzow

T-wald – Luzifers Hofgesind

T-wald
Luzifers Hofgesind
Ufa Muzak / Skalde Jörð, 2012
(CDr, limited edition of 120)

"Долгое время прожил я в горах Табора. Я был очарован кристальными залами и мраморными криптами пещер еретиков. Мои руки откладывали в сторону останки "чистых" и рыцарей, павших в "борьбе за торжество духа", чтобы ничья нога не разрушила их. Когда мои шаги по пещерным коридорам отдавались гулом, то я часто останавливался и прислушивался, не послышится ли в толще горы песня трубадура о высочайшей любви, делающая человека равным Богу..." ~ Отто Ран, "Крестовый поход против Грааля".

Сверхсознательный синхронизм, который в простонародье именуют "совпадением" произошел со мной сегодня самым замечательным образом. Не прошло еще 24 часов с момента написания предыдущей рецензии на альбом Feu московского System Morgue, как мне снова довелось оказаться в пещерах, заполненными костями давным-давно погибших людей. То, что вчера родилось в моем воображении спонтанно, под впечатлением от прослушивания диска, сегодня практически точно повторилось во фрагменте из книги Отто Рана, который приведен выше. Цепь ассоциаций не замедлила сработать, и заботливая память тут же выдала мне факт, что где-то в завалах дисков на полках у меня имеется релиз ростовского проекта T-wald, названный "Двор Люцифера" - в честь другой известной книги Рана. В ней этот необычной судьбы человек, один из самых загадочных персонажей времен Второй мировой, описывает свои путешествия по следам катаров, размышления на тему эзотерического христианства, германского язычества и многое другое. В своих поисках ответов на загадки древних легенд, он посещает живописнейшие места Европы, и, как мне кажется, эта книга очень ценна именно в художественном ключе. Та любовь и восхищение, с которой говорится в ней о всем живом вокруг, пронизывает аналогичным образом и этот альбом. В отличие от многих соратников по сцене, автор проекта T-wald обходит стороной темы войны и новейшей истории, на перегружая музыку милитаристским грохотом и индустриальным шумом. С самозабвением искателя потерянных реликвий, он создает обширные абмиентальные пейзажи полные таинственной красоты. Поэтизм природолюбия, привязанность к родной земле, тайны крови и родства - вот чему уделяется основное внимание. Впрочем, никакой строго обозначенной линии повествования здесь нет: подобно герметическому манускрипту, написанному в тусклом свете огарков свечей, музыка на этом диске дает лишь намеки, обозначает вехи на пути, ненавязчиво направляет слушателя по тропам сказаний настолько древних и неясных, что только голос внутренний может их уяснить.

На этих путях остались следы многих, но далеко не все имена сохранила история. Так же, как смерть самого Отто Рана, покрыты вуалью тайны пышущие осенней зрелостью леса, а тускнеющие краски лугов ласково покрывают осыпающимися лепестками едва заметные следы пожарищ, на которых когда-то сжигали людей во имя справедливого Бога... Рассыпаются узорами ржавчины некогда грозные мечи и латы, брошенные на каменистых утесах; срастаются в единый узор с лишайниками и мхами слова завета и сакральные знаки на камне. Время и история, красота и ее смерть - подобным дуализмом пронизана эта музыка, то обжигая нас холодом северных ветров, то проводя по секретным тоннелям еретических убежищ. Нахохлившиеся в предрассветном сумраке птицы не спешат улетать при виде человека, словно чувствуют, что он пришел не из праздности, что ведет его нечто большее, чем повседневная суета. Человек, в свою очередь видит в странном взгляде птицы некий знак, обнаруживает рунические подсказки в волчьих следах и каплях крови, оставшихся после ночной охоты. В объятиях музыки этого альбома время кажется замкнутым на самом себе - марево полурастворенных в воздухе мелодий то плавно появляется, то уступает место угрюмому стону ветра среди обледенелых стволов. Очаровывающая своей заколдованной таинственностью паутина звуков и легенд, запечатленных в послезвучиях. Игра теней, начертанных трепещущими языками пламени на стенах потаенного святилища, замирающий хорал позабытой молитвы, так и не сказанные кем-то очень важные слова... Все это находит свое место в этом альбоме, складываясь в замысловатую мифологию прошлого, теперешнего и грядущего. Отменная запись, каждый раз раскрывающаяся с другой стороны, сделанная с душой и сердцем.

label page
listen at vk

System Morgue – Feu

System Morgue
Feu
Zhelezobeton Distribution Division, 2014
(CD, digipack, limited edition of 100)

В черной, гулкой, влажной пустоте древнего нерукотворного подземелья тишина казалась оглушающей. Не было ни звука капающей воды, ни журчания подземных вод. Но это было лишь первый впечатлением. Чем дальше мы продвигались вперед по тоннелям в неживом, ослепительно-белом мареве светодиодных фонарей, тем отчетливее становился гул. Он казался дыханием самой земли. Здесь, на невероятной глубине, будучи запертыми в каменную артерию гигантского тела старой горы, это казалось таким естественным - быть внутри нее, слушать, как она делает вдох (или выдох), длящийся тысячу лет. Наконец тоннель оборвался гулким эхом устрашающего своими масштабами зала. Титаническая полость в плоти каменного великана, уснувшего непробудным сном миллионы лет назад. Было в воздухе что-то тяжелое, словно темнота сгустилась настолько, что стала маслянистыми чернилами. Хотелось вытереть лицо от ее обволакивающего присутствия... Но в гудящей монотонными вибрациями пещере было что-то еще: застывшая в абстрактном возгласе груда костей, перемешанная с металлом оружия, предсмертный крик, навсегда повисший в воздухе мрачной эссенцией. Когда-то это были люди, но время создало из выбеленных костей идеальную скульптуру. В ней были руки, до сих пор сжимающие костяным проклятием горло врага, раскроенные черепа, скрещенные штык-ножи и упавшие с истлевших шинелей тусклые бляшки металла с давно потерявшими свой смысл красными звездами. Эмаль этих по-детски выпуклых звездочек потускнела настолько, что казалась запекшейся кровью. Люди давно научились украшать могилы и ставить памятники, но только беспощадное время могло создать монумент настолько мрачный в своей иронии: смертные враги сплелись здесь в таких тесных объятиях, какие не каждым любовникам выпадало продлить столь же долго...

Неизвестно, что привело сюда этих людей когда-то: поиски Святого Грааля или пути в тылы врага, может быть, приказ построить сверхсекретный бункер... Это уже не имеет значения. Эхо кипевших в то время страстей, дурманящий запах пролитой крови, отголоски обезумевших от ярости криков и предсмертные стоны - все это уплотнилось в замкнутом пространстве подземного храма, наслоилось и настоялось, как ведьмовское зелье. Легко представить, что все композиции, запечатленные московским проектом System Morgue на этом диске, и есть результат этой многовековой реакции. Ярость и боль, слитые вместе, отшлифованные водой и ветром, сгустившиеся до состояния вязкого, дурманящего своей монотонностью потока гитарного гула. Подобный анабиозный дроун-эмбиент в наши дни можно встретить нечасто, хотя в свое время он был представлен такими замечательными проектами как Amon и Newer Known Андреа Марутти, замогильным Yen Pox и вакуумно-холодным Sleep Research Facility. Не обращая внимания на время и тенденции сцены, System Morgue отшлифовывает свое звучание в этом направлении уже не первый год, кроме основного проекта создавая аналогичные саундскейпы также под именами Accasari и Thelxinoe. Все эти проекты объединяет монолитное, плотное и темное звучание, которое необратимо затягивает в свои водовороты любого достаточно заинтересованного слушателя. Находясь внутри этой музыки становится очень легко видеть картины и сюжеты, развивать которые ваше воображение будет с легкостью и охотой. Чем же заканчивается моя история с подземной находкой? Пожалуй, я не стану рассказывать, пусть ваше воображение само продолжит сюжет. Или, даже более вероятно - создаст собственный, при каждом прослушивании уже другой. «Feu» предоставляет для этого замечательную возможность.

label page
listen / buy
system morgue bandcamp

Gleisberg & Grassow - Ad Lucem

Rüdiger Gleisberg and Mathias Grassow
Ad Lucem
Gterma, 2014

Начало этой коллаборации Матиаса Грассова и его давнего коллеги Рудигера Глейсберга было положено еще в 2009 году, но, как это водится в мире эмбиента, работа над звуком и сюжетом длилась целых 5 лет, что в итоге привело к созданию настоящего шедевра. Приближаясь по звучанию и атмосфере к последним изданиям Матиаса на Gterma, этот альбом охватывает еще большие масштабы пространства и времени благодаря кропотливому подходу Гляйсберга. На бархатистые потоки дрона нанизываются кристально-прозрачные синтезаторные саундскейпы, различные призвуки то и дело заставляют настороженно вслушиваться в происходящее, а время от времени возникающий словно из ниоткуда женский голос превращает музыку в нечто волшебно-мифическое. Словно голос банши, возвещающий тяжелые времена, эфемерный вокализ расстилается по кронам лесной чащи, окружая со всех сторон ничего не подозревающий ночной город. Люди, живущие там, сами подписали себе приговор, отгородившись от всего живого горами мусора, бетонными стенами и насыщенной суетой будней. Первые пару минут альбома звучат так, будто мы прорываемся сквозь напряженный гам бетонных джунглей, но очень скоро оказываемся в самой что ни на есть волшебной стране - смена настроений происходит так неожиданно, что некоторое время приходится привыкать к законам нового окружения. Пытаешься не шуметь, не двигаться, лишь бы не нарушить хрупкую магию зачарованных лесов, не потревожить сон мшистых камней неуклюжими шагами. Лишь более-менее освоившись в мире оживших сказаний древности, можно заметить потоки взаимодействия этого измерения реальности с более привычным нам миром. Примерно так же, как природа медленно, но верно поглощает заброшенные заводы и военные полигоны, так и вытесненный из "взрослого" ума мир сказок детства уверенно берет здесь верх, как будто никуда и не исчезал. Но не стоит думать, будто в этом измерении все абсолютно хорошо - древний, веками таящийся мрак то и дело дает о себе знать, периодически поджидая путешественников в самых темных уголках лесов, куда солнечный свет проникает лишь несколько раз в году... Вспомните, ведь во всех легендах есть место испытанию. Так что как бы музыканты не углублялись в изоляционизм убаюкивающих звуков, рано или поздно приходится встретиться с теми или иными духами из архаической глубины подсознания. Здесь приходит на помощь по-детски простая, интуитивная "магия": крепко зажмуриться, и представить, что никакого зла в мире нет, а холодный вой призраков вокруг - лишь разгулявшийся осенний ветер...

Как бы там ни было - свет побеждает, свет рассеивает любые страхи, свет исцеляет израненную негармоничной жизнью душу. Солнце неизменно восходит в конце даже самых темных ночей. Именно к свету обращаются авторы альбома, и делают это на всех уровнях повествования. Стоит погрузиться глубже, как мерцающие образы мифических лесов и их обитателей сменяются метафизическими видениями, которые восходят к чистым абстракциям философии и мистики. Музыкально это отображается в переходах от вдохновленного средневековыми наигрышами и этникой эмбиента к строгим, минималистичным дроунам. И если первый напоминает собой традиционный рецепт музыки Alio Die, то во втором Матиас проявляет свое владение гудельным мастерством на высшем уровне. Впрочем, в этом альбоме можно проследить чуть ли не все достижения, сделанные эмбиентом за последние 30 лет - от Structures From Silence Роуча до The Dark Places of the Earth Брайана Вильямса; от Well Of Souls Роуча и Серрье до последних работ Oöphoi. В последние годы лейбл Gterma все больше утверждается в статусе прекрасного храма глубинного, мистического эмбиента и эта работа - один из важнейших его столпов.

label page

Unlogic Thing & SandSpace – On The Wings

Unlogic Thing & SandSpace
On The Wings
GV Sound, 2014

Совместная работа двух молодых, но уже прекрасно себя зарекомендовавших проектов из Украины и России увидевшая свет на GV Sound еще в апреле этого года. Звучит восхитительно с самого начала - пульсирующая основа, на которую наслаивается марево эмбиентных текстур. Получается с одной стороны динамичный, с другой - вполне статичный звук. Представьте себе раскаленный воздух над костром и предметы, которые сквозь него видны - последние статичны, но воздух движется. Наблюдать за такими оптическими иллюзиями бывает очень увлекательно, особенно если вы никуда не спешите, а просто сидите у того самого костра, разглядывая деревья и проплывающие над ними облака. Время от времени тишину нарушают птицы и пролетающие самолеты, но все идет своим чередом... Через какое-то время вы обнаруживаете, что костер превратился в гипнотично переливающиеся оттенками красного угли, а день уступил место сумеркам. Тут уже все несколько иначе, но переход был совершен очень плавно, и мы слышим, как переменилась окружающая картина, но в сгущающихся сумерках становится все сложнее что-либо разглядеть наверняка. Не то голоса, не то чьи-то шаги начинают слышатся неподалеку, хотя ничего пугающего так и не происходит, что в данном случае только к лучшему.

Музыка течет из сюжета в сюжет очень легко, то сокращаясь до тихого ручейка, то разливаясь дождями. Она отрывает нас от земли не сколько в прямом, сколько в переносном смысле - от забот и тягот будней, от усталости тела и инертности мыслей. Но не стоит думать, будто это "музыка для релаксации", отнюдь. Здесь скорее уместно будет вспомнить о том, что каждое шаманское путешествие начинается с "полета" над землей, со взгляда с высоты на привычное повседневное течение жизни. Хоть здесь и нет очевидного шаманизма, ближе к концу альбом начинает звучать все более загадочно и потустороне, напоминая недавние работы Матиаса Грассова вроде Alchemystery. Приятный гул, разбиваемый на вдохи и выходи тихими призвуками постукиваний и волнообразными наплывами бархатистого природного шума. Отличная работа, лучше всего раскрывающая при прослушивании в наушниках.

listen / download

SA))m0st'_10: Machinefabriek and more / 26.09.2014, Moscow

SA))m0st'_10
26 сентября, 2014 / Dream Industries Telegraph

Machinefabriek
Rombix
Метро 3
::vtol::
Dvory (Тверь)
Алексей Борисов
Alex Pleninger
Alexander Senko
Tasha Abramova

Последнее время мне все чаще везет на электроакустические концерты, несмотря на то, что дома я подобную музыку слушаю крайне редко. Что, впрочем, и к лучшему - только обладая hi-end оборудованием и терпеливыми соседями можно в полной мере оценить творчество большей части исполнителей данного направления. Что же касается московского фестиваля, организованного сообществами SoundArtist.ru и do_or_die, "соседи" (а точнее - радушные хозяева) Dream Industries Telegraph, судя по всему, сами были только за, да и аппаратура для прослушивания была выбрана более чем удачно - зал украшала мощная акустическая система Ampersound, дополненная несколькими колонками для квадро-звука, в режиме которого выступали несколько участников. Правда, забегая вперед, должен признаться, далеко не все исполнители возможностями системы воспользовались, и только на сете Рутгера Зюйдервельта акустика показала свой потенциал в полной мере (хотя он квадро и не использовал), но об этом чуть позже.

Открывала фестиваль скромная с виду девушка, объявленная как Tasha Abramova - ее сет сразу же заставил перейти от общения с друзьями к непосредственно прослушиванию не только странным, гипнотично замедленным видеорядом, но и весьма приятным звуком. За наслоениями гула при внимательном вслушивании раскрывались целые пласты сюжетов, каждый из которых уводил частичку внимания за собой, так что уже через несколько минут восприятие оказалось в рассредоточенно-опустошенном состоянии, из тишины которого очень интересно было наблюдать, как привычный поток сознания расслаивается вслед за музыкой. Насколько я понял, основные методы работы со звуком у госпожи Абрамовой - зацикливание и положительная обратная связь, однако со множеством меняющихся параметров, так что вся конструкция в целом звучала очень динамично. Что, кстати, составило явный контраст с выступлением следующего участника - Алексея Борисова. Его выступления мне доводилось слышать не раз и обычно они мало чем друг от друга отличались. В этот раз присутствовал незамысловатый видеоряд (серые панорамы из окна поезда), который своей линейностью только подчеркивал статику звука, извлекаемого корифеем шумовой сцены. Достаточно предсказуемый, все время удерживаемый в одном диапазоне громкости шум. По ходу дела пришла на ум фраза "шумовой фастфуд" - и я даже не могу сказать, плохо это или хорошо. Если говорить о сфере питания, то зачастую различные макдачные и сабвейные выручают гораздо лучше утонченных ресторанов, хотя я и не являюсь приверженцем ни тех, ни других (домашняя еда!). Так и продукт творчества Борисова можно расценивать как быстрый способ настроиться на нужную волну и вычистить из головы повседневный мусор, которым атакует прохожих любой из городов.

Собственно, с предельно чистого от любых антропологических факторов звука и начал свой сет следующий участник - Александр Сенько. Скупая геометрия форм на видео и не менее аскетичное звукотворчество на выходе из колонок. Такое впечатление, будто провалился сквозь привычный масштаб существования в какой-то аналог флэтландии, который, однако хитроумно изогнули всевозможными алгоритмами сборки и компактизации. Скрытые измерения звука то и дело просвечивали сквозь мрачное полотно гудящих низов, но так и не проявились достаточно хорошо, чтобы их можно было рассмотреть. Впечатление, аналогичное попыткам разглядеть улиток на дне мутного аквариума - вроде бы что-то красивое там шевелится, но что именно - сказать сложно. Квадра-звук не показал каких-то впечатляющих результатов, вполне возможно, именно из-за перебора с низами - их булькание забивало собой потенциальный объем звучания. Не иначе, как воплощение темной материи в звуке - казалось бы бесконечная вселенная звука, создаваемая Александром оказалась непроглядно темной. Также выступавший в квадро-звуке ::vtol:: наступил поначалу на те же грабли, но по ходу дела все-таки смог от них увернуться, разнообразив абстракный минимализм всевозможными переходами от шума к тишине, варьируя поток частот от микросаунда к обширным пространствам. Звучание было богаче, но принцип абсолютно тот же - абстрактная геометрия пространства-времени, выраженная в звуке с математической точностью, нечеловеческой безэмоциональностью и холодной техногенностью. Думаю, как минимум половина присутствовавших слушателей именно за тем и пришли, так что выступление Дмитрия Морозова можно назвать более чем удачным. Что же касается лично меня, то концерт грозил стать передозировкой цифровыми алгоритмами, если бы не спасительный сет тверского дуэта Dvory.

Внимательный читатель наверное уже заметил, что я отклонился от последовательности в которой выступали участники, но именно так, на мой взгляд вести рассказ удобнее - нелинейно описывая поток впечатлений, роящийся в голове после посещения настолько насыщенного событиями концерта. Так вот, Dvory событийную насыщенность заметно сгладили ровным и приятно расслабляющим дроуном без резких поворотов и неожиданных шумов. Труба с дилеем и дронирующая бесконечный аккорд электрогитара - вот по сути и все, что происходило на поверхности. Но, как известно, дроун требует внимания на уровнях микротональных сдвигов и гармонических дрейфов - вот этого в музыке Дворов было более чем достаточно. Хоть звучание вначале и было несколько резковатым из-за заводившихся микрофонов и надменно зависших между полом и потолком стоячих волн, чем дальше, тем больше все смягчалось, утопая постепенно в вибрациях теплого звукового океана, созданного тверским дуэтом. Полчаса спокойствия в буйстве экспериментаторства - весьма приятный подарок от организаторов. И снова-таки, был на фестивале свой антипод и для Dvory - проект Metro 3 (хронологически выступавший перед ними), отчаянно шумевший всеми располагавшимися у них средствами. В ход шла такая же (вроде бы) труба, но уже в чисто джазово-импровизационной манере, плюс электроника и гитара. В творящемся буйстве частот очевидно прослеживалась увлеченность современным шумовым джазом (что-то в духе Лассе Мархауга, наверное), свободная импровизация и просто нойз, не скованный кроме энтузиазма музыкантов чем-либо еще. Получалось мощно и разнообразно, но совершенно непонятно. Пожалуй, музыканты от своей игры получали гораздо больше удовольствия, чем слушатели. Что для импровизаторства отнюдь не зазорно, так ведь?

К сожалению, на какое-то время мне пришлось отвлечься на бартерно-финансовые махинации с дисками и кассетами, так что выступления Alex Pleninger и Rombix послушать толком не удалось - и, судя по реакции других слушателей, зря. Но, к счастью для тех, кто уже устал, дочитав до этой строчки, я перейду непосредственно к "виновнику торжества", Рутгеру Зюйдервельту, так же широко известному под псевдонимом Machinefabriek. Сразу скажу, за творчеством уважаемого голландца я начал следить года с 2008-го, но далеко не всегда успевал за темпами роста его дискографии, так что судить о развития проекта могу не слишком глубоко. Точно знаю одно - в создании нетривиального дроун-эмбиента Ругеру мало равных, и стиль его работ узнается практически моментально. Свое московское выступление Рутгер эмбиентными полотнами обогатил лишь к концу, большую часть времени получасового сета создавая нечто абсолютно нелинейное, неожиданно красивое и кристально чистое. Вот здесь-то и проявилась в полной мере мощь акустики Ampersound - звук буквально наполнял собой каждый уголок пространства, не превращаясь при этом в вязкую кашу частот. Округлые низы так и хотелось потрогать, настолько осязаемым казался звук. Шумы и потрескивания звучали будто бы прямо в голове, а вибрации пространства ощущались всем телом. При этом не было и следа давящего или "сокрущающего" звука, который любят электронщики, более увлеченные битом и низами. Музыка была весьма телесной, но чрезвычайно комфортной. Подобного эффекта мало кому удается достичь где-либо, кроме собственной вдоль и поперек изученной студии, но для Рутгера новое пространство быстро стало частью композиции. В целом, описывать музыку Machinefabriek словами достаточно сложно, потому как после некоторой точки насыщения мой ум перестал вести какие-либо заметки и анализаторские навыки уступили место простому, по-детски наивному восторгу... А это, очевидно, говорит о многом.

Думаю, сказанного выше достаточно, чтобы понять, что если вы по какой-то причине пропустили это мероприятие, не стоит повторять такую ошибку в будущем, а еще лучше - подписаться на обновления арт-объединений SoundArtist.ru и do_or_die.

событие на фейсбуке
событие вконтакте

Carlton Melton – Live at Hebden Bridge

Carlton Melton
Live at Hebden Bridge
Triangle Sounds, 2014
(tape c83, limited edition of 100)

Read in English

Primarily this cassette is notable because of beautiful design that has become a visiting card of Triangle Sounds - completely dedicated to magic mushrooms and results of long communion with them, this young label produces wide spectrum of good music. But behind the beautiful envelope lies unexplored depth, and 83 minutes of playing time is more than enough to explore it repeatedly. First audition has pleased by excellent improvisations in the spirit of modern psychedelic rock (keep in mind Sula Basana, White Hills or Eternal Tapestry), during the second I found moments that could easily be part of some Expo '70 vinyl. Then it turned out that Spacemen 3 fans may also find here a lot of interesting things and then I was finally convinced that this is really limitless album. Seriously - from whatever context of psychedelic rock music you come, every time there is something on this tape that may surprise you! And this is nothing else than a sign of high-quality work. Is not less interesting here is that Carlton Melton basically don't write songs and do not make arrangements - all their music is improvised and recorded on the tape immediately, without any rehearsals. Such approach explains the boundlessness of horizons, which this humble cassette may open, because improvising musician gives space in his mind for the forces much deeper than rational thinking. However, what can I tell, it's a truisms of creativity in any genre.

Journey through the overflows of guitar sound accompanied by smoothly varying rhythms opens wide landscape of worlds in front of our imagination - like in the "Mindswap" book by Robert Sheckley we face kaleidoscope of pictures and events which at any other time would have seemed absurd to us, a dream or a good trip (whatever you like more). Instead of immersion into the world of frontman's personal problems (as it usually happens in rock music), we are given the choice, a space that spreads new, previously unseen horizons. In fact, this is the important feature of psychedelic music - it expands consciousness, not just telling us how musicians did or didn't it. This non-verbal, non-skin transfer of experience works almost as telepathy, connecting all listeners of this album in decentralised net, mycelium of universal co-experience. Everyone gets a unique experience, but in general system works like a swarm intelligence, permeating space by its movement like a spiral orbits of stars in galaxies... Okay, perhaps I've gone too far. But I guess is already clear - extremely powerful record, highly recommended!

Эта кассета примечательна в первую очередь красивым оформлением, которое уже стало визитной карточной Triangle Sounds - полностью посвященный волшебным грибам и результатам продолжительного с ними общения, этот молодой лейбл выпускает самую разнообразную музыку. Но за красивой оболочкой кроется неизведанная глубина, и 83 минут звучания более чем достаточно, чтобы неоднократно ее исследовать. Первое прослушивание порадовало отличными импровизациями в духе современного психоделического рока (вспомните Sula Basana, White Hills или Eternal Tapestry), во время второго я обнаружил на кассете моменты, которые вполне могли бы прозвучать на какой-нибудь из пластинок Expo '70. Потом оказалось, что поклонники Spacemen 3 тоже могут найти здесь для себя много интересного и тогда я окончательно убедился в том, что этот альбом и правда безграничен. Серьезно - из какого бы контекста психоделической рок-музыки вы к нему не подходили, он каждый раз находит чем удивить! А это ничто иное, как признак действительно качественной работы. Не менее интересно здесь то, что Carlton Melton в принципе не пишут песен и не делают аранжировок - вся их музыка импровизируется и записывается на пленку сразу же, без каких-либо репетиций. Такой подход во многом объясняет безграничность горизонтов, которые может открыть эта скромная кассета, ведь импровизируя, музыкант освобождает в своем сознании пространство для сил более глубинных, чем рациональное мышление. Впрочем, чего тут рассказывать, это ведь прописные истины творчества в любом жанре.

Путешествие по переливам гитарного звучания под плавно меняющиеся ритмы открывает перед воображением целый ряд миров - словно в книге "Обмен Разумов" Роберта Шекли, мы оказываемся вовлечены в калейдоскоп пейзажей и событий, которые в любое другое время показались бы нам абсурдом, сном или хорошим трипом (тут уж кому как нравится). Вместо погружения в мир личных проблем фронтмена (как это обычно бывает в рок-музыке), нам предоставляется выбор, дается простор, открывается новый, прежде невидимый горизонт. По сути, в этом и заключается важная особенность психоделической музыки - она сама по себе расширяет сознание, а не просто рассказывает нам о том, как расширяли его музыканты. Эта невербальная, нетелесная передача опыта работает почти что как телепатия, объединяя каждого из слушателей данного альбома в некую единую сеть, мицелий всеобщего сопереживания. Каждый получает уникальный опыт, но в целом система работает как разум роя, своим движением пронизывая пространство подобно спиральным орбитам звезд в галактиках... Ладно, пожалуй меня начинает заносить слишком далеко. Но, думаю, уже и так понятно - исключительно мощная запись, настойчиво рекомендую!

label page
carltonmeltonmusic.com

Yamaoka – Systematic

Yamaoka
Systematic
Chemical Tapes, 2014
(limited edition tape)

Read in English

I think at the moment we can confidently assert that Japan - a country of contrasts. Needless to say, I mean the music, at the expense of the rest I can not judge. Almost all electronic musicians from Japan I know play very aggressive, mind-blowing noise or gentle and ear-pleasant ambient and drone. I think such names as Yui Onodera, Saito Koji, Hakobune and Chihei Hatakeyama have long been known as the standard of the softest, enveloping sound. Yamaoka undoubtedly enters this niche, but only partly, because apart from the ambient soft featherbeds he can also make pleasant techno ripples, and in this field history of the project began back in the mid-90s. On this tape released by one of my favorite cassette labels, these two components were connected in a very organic and unobtrusive way. Beat pulsation creates time coordinate, slicing the sound space into small cells. At the same time, the whole construction seamlessly moves, specifying smooth transitions from one mood to another and forming an indivisible whole.

Ambivalence has always been a subject of controversy among musicians - while some tried to teach listener to focus on variations of single note, others created unpredictable or even chaotic sounds. Of course, in both cases it came to the point of absurdity, but the majority of audience remained faithful to something average. With the development of civilization, level of involvement of ordinary people in the process of expanded perception constantly grows - if 20 years ago we were getting tired of the three TV shows in a day, today's smartphone owner absorbs incredible amount of information. And, most of all, it is simply out of boredom or habit. What to say then about music? Basically, it must comply with the general trend - to be a powerful and eventful. Yet, it is in Japan, country of advanced information technology, we have two kinds of music - one, that in fact has no information, only chaos and deconstruction of any system (noise), while the other is eventless that most of the people perceive it just as some buzz. It turns out that for many people, music becomes a haven where you can take a break from the growing pace of the city, alone with yourself and your feelings. Yamaoka music perfectly illustrates the operation of such personal "cocoon" - at first, nice relaxing beat gradually slows your perception, and the following ambient surrounds you like a wall, turning headphones into some kind of generator of impervious field, in which all surrounding events doesn't affect you directly. And this is not isolationism! Rather, it is position of observer not involved in the process of fussy being - oriental culture is higly permeated with this feeling. Regardless of religious or philosophical preferences, deepening into Yamaoka music and distracting from all outside, each of us becomes a Buddha at least for this album playing time.

Думаю, на данный момент можно с полной уверенностью утверждать, что Япония - страна контрастов. Само собой, я имею в виду музыку, на счет остального судить не берусь. Почти все известные мне электронные музыканты из Японии играют либо чрезвычайно агрессивный, мозговыносящий шум, либо нежнейший и приятнейший для слуха эмбиент и дроун. Думаю, такие имена как Yui Onodera, Saito Koji, Hakobune и Chihei Hatakeyama уже давно известны как эталон мягчайшего, обволакивающего звучания. Проект Yamaoka несомненно входит в эту нишу, но лишь отчасти, ведь кроме мягких перин эмбиента он еще умеет создавать приятные пульсации техно, и на этом поприще история проекта началась еще в середине 90-х. На этой кассете, выпущенной одним из моих любимейших кассетных лейблов, оба компонента соединены весьма органично и ненавязчиво. Пульсация бита создает координату времени, своим отсчетом рассекая пространство звука на небольшие ячейки. В то же время вся конструкция незаметно движется, задавая плавный переход от одного настроения к другому и образуя неделимое целое.

Двойственность восприятия всегда была предметом спора в среде музыки - в то время как одни стремились научить слушателя часами вслушиваться в вариации одной ноты, другие создавали максимально непредсказуемую музыку. В обоих случаях это, само собой, дошло до абсурда, но сама публика по большинству осталась верной чему-то среднему. По мере развития цивилизации, растет уровень вовлечения обычных людей в процесс расширенного восприятия - если еще 20 лет назад мы уставали от трех телешоу в день, то сегодняшний обладатель смартфона поглощает просто невероятное количество информации. Причем, скорее всего это происходит просто от скуки или по привычке. Что же говорить тогда о музыке? По идее, она должна соответствовать общей тенденции - быть мощной и насыщенной событиями. Тем не менее, именно в Японии, стране передовых информационных технологий, мы имеем два вида музыки - один не несет по сути никакой информации, только лишь хаос, деконструкцию любой системы (нойз), в то время как другой настолько беден событиями, что большинству обывателей кажется просто гудением (дроун и эмбиент). Получается, что для многих людей музыка становится убежищем, в котором можно отдохнуть от нарастающего темпа городов, уединиться с собой и своими чувствами. Творчество Yamaoka прекрасно иллюстрирует функционирование такого личного "кокона" - приятно расслабляющий бит вначале понемногу замедляет разогнанное городом восприятие, а следующий за ним эмбиент словно окружает слушателя стеной, превращая наушники в генератор непроницаемого поля, в котором все события уже не кажутся непосредственно на вас воздействующими. И это отнюдь не изоляционизм! Скорее, это позиция стороннего наблюдателя, не вовлекающегося в процесс суетливого бытия - восточная культура этим пронизана от начала до конца. В независимости от религиозных или философских предпочтений, пропитываясь эмбиентом Yamaoka и отвлекаясь от всего внешнего, каждый из нас становится Буддой хотя бы на то время, пока играет этот альбом.

label page
listen / buy